Pupurri de noticias

Reflexiones sobre pintores y pintura Matías Sánchez

2012-01-16T04:43:00.000-08:00

'Lautrec': un luminoso fondo para una oscura y poética figura.

'Lautrec con paleta', una de las obras de Matías Sánchez.

Entre la caricatura y el latido primitivo, Matías Sánchez compone una serie de cuadros dedicados a grandes creadores del pasado

La caricatura es un rasgo característico de lo moderno. Es siempre un índice de libertad. Las sociedades autoritarias o la religiosidad fundamentalista no la soportan. Unas y otra precisan mantener algo que los antiguos llamaron conveniencia: el héroe, el santo o el guía han de aparecer siempre con la dignidad que se les atribuye. Esto llegó a contaminar la figura del artista: dada su condición de genio, tenía que comparecer públicamente con trazos de parecida dignidad. La caricatura hurga en esa imagen pública esclerotizada para mostrar una carencia moral o un aspecto de la identidad privada, pero también a veces para reseñar un rasgo de verdad que escapa a lo que se tiene como digno o conveniente.

Otro elemento recurrente del arte moderno es el primitivismo. Si el estilo es el difícil equilibrio entre la convención y la impronta personal del autor, la pintura académica insistió en el primer elemento y cultivó con esmero lo correcto y lo admitido, aun renunciando al mundo individual del artista. A ese arte, cada vez más muerto, los autores modernos opusieron el arte primitivo en el que veían libre uso de la fantasía, ideas escuetas de cuerpos y rostros, o un desarrollo espontáneo y auténtico del afecto. Por eso viajaron a culturas arcaicas y frecuentaron museos etnográficos. Más tarde, de Dubuffet a Appel, fueron muchos los que intentaron un trabajo pictórico donde formas elementales, un uso arriesgado del color y el empleo del pigmento, más como materia que como tinta, confirieran a la obra una expresión directa e intensa.

Estos dos rasgos están presentes en la obra de Matías Sánchez (Tübingen, Alemania, 1972). Los ha cultivado a lo largo de su carrera. Con ellos, valiéndose de la intensidad del color y la firmeza del trazo, fijó de forma directa una visión de la raíz celtibérica de algunas de nuestras costumbres (Bodas y sepelios, galería Begoña Malone), narró las idas y venidas del coleccionista de arte (el cuadro fue casi emblema de una edición de ARCO) y retrató ciertos tics de algunos responsables políticos.

En esta exposición hay rasgos nuevos y de interés. Uno de ellos es que acerca su trabajo a una arriesgada reflexión que desborda el tono cáustico de otras ocasiones. No deja atrás la ironía: el lienzo dedicado a Manet es una divertida réplica del célebre autorretrato en el que el pintor francés se asimila al dandy, y algo parecido ocurre con el titulado El impresionista. Pero las dos obras centradas en Toulouse Lautrec tienen un alcance distinto: poseen frescura y espontaneidad y extreman los rasgos de aquel artista, pero no están exentas de un aura de admirada evocación. En el titulado simplemente Lautrec hay un elaborado trabajo pictórico, donde el contraste entre el luminoso fondo y la oscura figura del pintor va más allá del mero ejercicio formal y cruza la frontera de lo poético, haciendo pensar en las obras que dedicara Francis Bacon a Van Gogh. Ni aun la nada respetuosa fotografía de la invitación a la muestra resta esta relación que Sánchez establece con Toulouse Lautrec.

Al hablar antes de la caricatura, señalé que su intención consiste en mostrar lo que generalmente se oculta. Las piezas de pequeño formato hacen esto de manera muy especial: evocan al pintor con la pintura. No con la figura que muestra su quehacer, la mano segura o la inteligencia de las formas, sino sencillamente con la materia, el pigmento. Éste construye los fondos a veces de manera uniforme, casi plana (así, por ejemplo, en Renoir) y otras los modela con gruesas aplicaciones de materia (como en Cézanne), pero la acumulación de pintura se da en los rostros hasta desfigurarlos. Matías propone así una inteligente sinécdoque: identifica al pintor transfigurando el rostro de cada uno en materia pictórica, transformando sus facciones en aquello que los ocupa y obsesiona: la pintura. El óleo dedicado a Van Gogh o el titulado Cézanne en L'Estaque parecen especialmente acertados. En el primero, la vibración de la materia se va acentuando hasta formar una suerte de agitada aureola que prolonga la parte baja del rostro; en el segundo, el severo perfil de Cézanne se extiende sobre un fondo que se antoja un homenaje al sereno color con que el pintor de Aix-en-Provence supo ver en el Mediterráneo profundidad antes que sensualidad.

La muestra de Matías Sánchez puede desconcertar a quien siga pensando que la pintura es réplica no tanto de la realidad sino del modo convencional de percibirla. Quienes, por el contrario, sepan valorar la imaginación y conciban la pintura como materia, disfrutarán con estos trabajos, valientes porque evitan la coartada del esperpento para volcarse en una reflexión que no renuncia a la alianza entre caricatura y espontaneidad, característica de Matías Sánchez.

Matías Sánchez. Mecánica Galería de Arte (Cabeza del Rey Don Pedro, 15), Sevilla. Hasta el próximo día 20.

Juan Bosco Díaz-Urmeneta

http://www.diariodesevilla.es/

España Luc Tuymans fotos

2011-06-26T15:27:00.000-07:00

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga abre hoy al público Retratos y vegetación, la primera exposición en España de Luc Tuymans, el artista contemporáneo belga más importante y uno de los pintores europeos más influyentes. Tras la aparente simplicidad de la narrativa de su obra, el halo sombrío, la pincelada acuosa y el silencio engañoso que la caracterizan no son más que una apariencia ilusoria para producir en el espectador tensión y un cierto desgarro ante el que no puede permanecer impasible.

Retratos y vegetación es un buen ejemplo de ello y a través de las 16 pinturas que la componen se evidencia la contundencia y la rotundidad de su trabajo, así como la ausencia de afectaciones y extravagancias. Falsa serenidad para llamar la atención sobre el anhelo de nuestra sociedad por olvidar ciertos acontecimientos que han marcado la memoria colectiva, como el Holocausto, los dramáticos sucesos del 11 de septiembre o la política colonial en el ex Congo Belga.

Arte y realidad

“El arte no proviene del arte. El arte proviene de la realidad”. Esta afirmación realizada por el propio Luc Tuymans es toda una declaración de intenciones, una confesión sobre la naturaleza de su trabajo, evocador e insinuante, pero que deja en manos del espectador la responsabilidad de llenar los espacios, deliberadamente dejados en suspenso, y de construir su propia narrativa. Su obra es comprometida, no permanece ajena a hechos que han marcado la sociedad de nuestros días, a pesar de que exista un deseo colectivo de amnesia voluntaria por olvidarlos o distorsionarlos, una sociedad que parece estar más cercana al mundo ilusorio narrado por Aldous Huxley en su novela Un mundo feliz.

Desde mediados de los 80, el trabajo de Tuymans está centrado en la pintura. Sin embargo, durante un tiempo abandonó esta disciplina para dedicarse de lleno a la creación cinematográfica. Esta etapa transitoria dejó su impronta en sus trabajos posteriores, los cuales desarrolla con meticulosidad a través de dibujos preparatorios, fotografías, diapositivas, fotogramas de películas y una amplia variedad de técnicas que no hacen sino aumentar la riqueza artística de sus composiciones.

Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “son muchos los que han calificado la pintura de Luc Tuymans como pesimista, quizás impulsados por la carga violenta y cruda que la caracteriza, y que no deja de ser un vehículo para diseccionar la realidad, lejos de cualquier interés moralista o grandilocuencia. Lo que es innegable es que estamos ante uno de los autores más admirados tanto por artistas consagrados, como Alex Katz, como por emergentes, para quien Tuymans, uno de los mitos de la pintura contemporánea mundial, es ya una leyenda”.

Alusiones y referencias

En las pinturas de Luc Tuymans las ideas no se muestran de manera explícita, sino a través de escondidas alusiones y referencias indirectas. Las imágenes aparentemente inocuas pero cargadas de intensidad, generan desasosiego y perturban al espectador. Así, tras la imperturbable mirada de la figura de Secrets (1990) se esconde Albert Speer, arquitecto del III Reich que llegó a ser ministro de Armamento del régimen de Hitler. El aspecto sombrío con el que le ha retratado Tuymans y que lo haya hecho con los ojos cerrados, nos invita a intentar averiguar esos secretos a los que se alude en el título.

Luc_Tuymans_1Por su parte, Evidence (2005) muestra a una víctima de un asesino en serie ruso a quien nunca se pudo identificar. La pintura difuminada y el rostro casi irreconocible revelan la intención del artista por insinuar y no mostrar y por sus alusiones a la memoria. Portrait (2000) es una referencia a las fotografías de los fallecidos que en Bélgica se utilizan para anunciar los funerales.

Luc Tuymans (Mortsel, Bélgica, 1958) es heredero de la extensa tradición pictórica del Norte de Europa, de ahí que el pintor flamenco Jan Van Eyck sea uno de sus artistas más admirados. También lo son españoles como Velázquez, El Greco o Zurbarán, cuyas influencias se aprecian en muchas de sus obras. Los trabajos de Tuymans están presentes en los museos y centros de arte más representativos, como el MoMA (Nueva York), la Tate londinense, el George Pompidou de París o el Museo de Arte Moderno de San Francisco, entre otros muchos.

Málaga. Luc Tuymans. Retratos y vegetación. Centro de Arte Contemporáneo CAC.

Del 24 de junio al 4 de septiembre de 2011.

/www.hoyesarte.com/

Julio Haro obra plástica del polifacético autor

2011-06-09T05:20:00.000-07:00

La muestra ''En Guadalajara'' fue presenta la obra plástica del polifacético autor, líder de la legendaria banda tapatía ''El Personal''
A más de 20 años de la muerte del artista tapatío Julio Haro, vocalista de la legendaria y suis generis agrupación musical tapatía El Personal, una exposición recoge su obra plástica realizada entre 1978 y 1991, en el marco de la primera Feria Internacional de la Música (FIM) de Guadalajara.

Bajo el título Julio Haro, en Guadalajara fue se reúne una muestra representativa de la propuesta del tapatío fallecido el 4 de enero de 1992 a los 37 años. Las salas del Museo de la Ciudad, espacio ubicado en la calle Independencia 684, albergarán desde el 9 de junio hasta el 21 de agosto.
La exposición está compuesta de 52 obras de Haro y de otros 23 artistas locales como Alejandro Colunga, Boris Viskin, Chucho Reyes, José Fors, Jis, Trino, Rubén Méndez y Paco de la Peña, se dio a conocer ayer.

El curador de la exhibición es Joao Rodríguez, quien se dio a la tarea de buscar y seleccionar las obras. Explicó que la exposición es un reflejo de la postura que Julio Haro mantenía sobre la ciudad y las tradiciones, “las obras que tenemos ahora hacen un diálogo con artistas contemporáneos a él y con otros que no conocieron a Julio, parte de la misión de esta exposición es acercar la obra de Julio a las nuevas generaciones”.

Creador sin humos
Paco de la Peña, artista y actual director del Museo Regional de Guadalajara, quien conociò a Haro y lo acompaña con una pieza en su muestra, comentó que esta exposición reconoce a un artista polifacético no sólo en el campo de la música, sino de la plástica. Añadió que Haro era también un gran diseñador e influyó “los discursos y lenguajes de los jóvenes, era un icono. Fuimos amigos antes de que saliera a la luz pública porque éramos del barrio y compartíamos el gusto por la fotografía”.

De la Peña destacó que su amigo fue “un creador sencillo, agradable, y nunca se le subieron los humos. Era un personaje de Guadalajara y vale la pena hablar de Julio para que las nuevas generaciones conozcan a un baluarte de la plástica tapatía”.

Rogelio Flores, dueño de El Roxy, local que en los años 90 del siglo pasado fue un referente cultural de la ciudad, recordó que Haro “era un tipo extremadamente talentoso, le conocí varias facetas, obviamente la de músico fue la que lo hizo popular por su participación en El Personal”.
Explicó que su amigo no sólo incursionó en la música, sino en la dramaturgia, en la plástica y en el comic. “Era como un hombre del Renacimiento, realmente tenía talento y tiempo para todo. Estuvo involucrado en varios proyectos de gente de la ciudad”, dijo Flores, quien en la década de los años ochenta tenía una galería, Magritte, donde el grupo llegó a ensayar.

El promotor cultural apuntó que Haro y El Personal fueron profetas en su tierra y recordó la entrega en el escenario de su amigo aun cuando ya estaba muy enfermo, “siempre mantuvo un buen humor”.

Por su parte, Patricia Urzúa, directora del Museo de la Ciudad, detalló que la exposición no es un homenaje, sino una manera de recordar a Julio Haro, quien nunca quiso los reconocimientos. “Era un gran artista multidisciplinario y está presente en su obra, además a través de sus letras nos describió la Guadalajara de entonces y al tapatío”, señaló la funcionaria.

Otra de las piezas sobresalientes es la instalación sonora realizada por Hugo Martínez, quien seleccionó canciones de la agrupación y entrevistas al artista para dar a conocer otra faceta del Haro, la de músico.

Inauguración Julio Haro, en Guadalajara fue / Jueves, a las 20:00 horas / Museo de la Ciudad, Independencia 684 / Entrada libre

Actividades
AdemÁs de la exposición enmarcada en la primera Feria Internacional de la Música (FIM) de Guadalajara (16 al 19 de junio), se llevarán a cabo diversas actividades gratuitas como talleres para niños y jóvenes y una conferencia titulada Nosotros somos los marranos, impartida por diferentes artistas e integrantes de El Personal. El 16 de junio, concierto homenaje a este grupo con músicos invitados.

Daniela Martín,
Óscar Muro y Yang E. Coutiño, de la Universidad Libre de Música, impartirán el taller dirigido a niños de cinco a 12 años de edad. La cita es los sábados 11 y 25 de junio y 2 de julio.

El taller de rock y pop, que se realizará el 7 y 21 de julio, está pensado para los jóvenes interesados en formar una banda de rock o conocer cómo funciona la interacción entre los diferentes instrumentos musicales. El responsable de las clases es Álvaro Abitia, director de la Escuela Libre de Música.
La composición
de canciones es el eje de otro taller pensado para los mayores de 15 años. Las clases son 14 y 28 de julio. Para mayores informes
comunicarse al teléfono:
12 01 87 12.

Rumba sin rumbo
La vida no me ha dado lo que yo merezco/La vida no me ha aceptado lo que le ofrezco/La vida no me ha dado lo quees justo/La vida es una broma de mal gusto./La vida me ha tratado con desprecio/La vida me ha golpeado demasiado recio/La vida me da risa, la vida me da llanto…/La vida me ha golpeado tanto, tanto…/Mi vida es gris, mi vida es triste/Mi vida no tiene chiste/Mi vida es gris, mi vida es ocre/Mi vida es taaan mediocre/Cuando yo me muera…/Cuando yo me muera…/Que me empaquen al alto vació/Cuando yo me muera…/Cuando yo me muera…/Que me tiren a un lote baldío/Cuando yo me muera…/Cuando yo me muera…/Que ni se ocupen en cavar mi tumba/Cuando yo me muera…/Cuando yo me muera…/Que todo mundo baile esta rumba/Cuando yo me muera…/Yo no quiero un homenaje/ Y que nadie diga nada mas de mi/Y que nadie diga que ahí que bueno fui/Lo que quiero es que se olviden de mi…/Y ole

Julio Haro.

GUADALAJARA, JALISCO ).-

José Guadalupe Posada murió en el olvido y abandono

2011-06-09T05:13:00.000-07:00

Historiador asegura que el creador de las populares calaveras falleció de alcoholismo, solo, en un cuarto en el barrio de Tepito y sus restos fueron enterrados en una fosa común
El artista mexicano José Guadalupe Posada, creador de las populares calaveras y caricaturista satírico de los últimos años del Gobierno de Porfirio Diaz (1830-1915) murió en el olvido y sus restos, hoy perdidos, fueron enterrados en una fosa común, dijo el historiador Agustín Sánchez.

"Posada (1852-1913), que dibujo y grabó miles de caricaturas de los mexicanos, murió de alcoholismo, solo, abandonado, tirado en un cuarto en el barrio de Tepito. Su esposa e hijo habían muerto, y los restos del artista que había popularizado las calaveras, quedaron perdidos para siempre" , explicó el experto.

Sánchez, quien recordó diversos aspectos de la vida de este "artista genial" en el artículo "Posada, una historia del montón" publicada en la última edición de la revista Relatos e Historias de México, explicó a Efe que Diego Rivera creó una gran cantidad de mitos en torno a Posada.

Rivera aseguró que Posada fue el precursor del muralismo y del nacionalismo en el arte mexicano, dijo que fue un revolucionario antiporfirista y lo relacionó con los hermanos Flores Magon, un grupo de anarcosindicalistas que formaron una corriente importante en la Revolución Mexicana.

"La verdad es otra, Posada era un liberal no militante que con sus caricaturas a veces criticaba, a veces elogiaba a Porfirio Díaz, al igual que a todos los participantes del sistema político y de los revolucionarios" , afirmó Sánchez.

El historiador explicó que Rivera y otros artistas convirtieron a Posada en un icono de izquierda y precursor de la Revolución mexicana.

Negó su relación con los hermanos Flores Magón y calificó de erróneo que haya participado en los periódicos publicados por estos anarquistas como fueron El Ahuizote o El hijo del Ahuizote de los Flores Magón.

"Lo más probable es que ni siguiera los haya conocido" , dijo el historiador, quien escribió un estudio sobre el artista (Posada, editorial Martínez Roca, 2008) .

Indicó que uno de los aspectos más conocidos del grabador son las ilustraciones sobre diversas noticias de sangre, descritas en verso, que mostraban el aspecto violento del México de finales del siglo XIX y principios del XX.

En esas hojas que se vendían en las calles y eran pregonadas a gritos por los vendedores, Posada describió los corridos populares, los crímenes pasionales, las historias de aparecidos y milagros.

"Posada captó y desarrolló artísticamente los sucesos que ocurrían a su alrededor sin discriminar temas o personajes. Todo lo que veía era motivo para él, todo era digno de ilustrarse y mostrarse al mundo" , señaló Sánchez.

En sus obras aparecieron las caricaturas de políticos, revolucionarios, borrachos, bandoleros, charros, toreros y personajes de la aristocracia y burguesía porfiriana, llamados catrines.

Posada también popularizó las famosas calaveras, que acompañaban a versos sobre la supuesta muerte de personajes famosos vivos y que eran ilustrados con las figuras de esqueletos con algunas características fisonómicas del personaje retratado.

Sánchez explicó que estas calaveras, que se dibujan en la Festividad de Muertos, el 1 y 2 de noviembre, proceden de la creencia prehispánica que se adaptó al sentir del mexicano y que fue reforzada por obras teatrales como el Juan Tenorio de José Zorrilla.

Sánchez indicó que uno de los mitos fue el de la recreación del personaje "La Catrina" que representa a la muerte y que fue bautizada con ese nombre por Diego Rivera en su mural "Sueño de una tarde dominical en la alameda" , donde aparece la muerte lujosamente vestida.

Originalmente, este personaje había aparecido en una publicación de Posada y era llamada "india garbancera" , como una burla a las personas que buscan imitar a los ricos en su apariencia y reniegan de su propia raza, herencia y cultura.

Sánchez indicó que al menos la mitad de la obra de Posada permanece perdida y es uno de los artistas populares más conocidos que nunca ha recibido un homenaje.

Posada es el gran artista que dejó un retrato de México en el paso del siglo XIX al XX, que
no ha sido valorado en su auténtica dimensión, un crítico social que nunca cayó en el panfleto, y es necesario redescubrirlo y despojarlo de su mitificación, dijo el historiador.

/www.eluniversal.com.mx

La Ofelia de Shakespeare ¿ inspirada en una historia real ?

2011-06-09T04:21:00.000-07:00

El anuncio de la muerte de Ofelia -en la obra Hamlet, de William Shakespeare- es considerado uno de los momentos trágicos más poéticos de la historia de la literatura.

Esa imagen de la joven ahogada en un arroyo esparcido de flores cautivó la imaginación de pintores como el pre Rafaelita John Everett Millais.

Millais se inspiró en la obra de Shakespeare, pero Shakespeare ¿en qué se inspiró?

Un historiador de Oxford sugiere que la poderosa imagen descrita por el bardo pudo tener su base en una historia real.

El profesor Steven Gunn encontró un reporte de un médico forense que describe la muerte de la niña Jane Shaxspere en 1569.

El hallazgo se debe a un proyecto de investigación de cuatro años llevado a cabo por académicos de Oxford, quienes han estado investigando reportes forenses del Siglo XVI.
Teorías

Según Gunn, los nexos con la historia del ahogamiento de Ofelia invitan a pensar que incluso la niña pudo tratarse de una prima de Shakespeare.
La Ofelia de Millais

El pintor Millais se inspiró en la imagen de la joven ahogada descrita por Shakespeare..

"Podría ser sólo una coincidencia, pero los parecidos con Ofelia son ciertamente tentadores", señaló.

El reporte del forense, originalmente escrito en latín, describe la muerte de Jan Shaxspere, de dos años y medio, quien se ahogó cuando recogía flores en un arroyo.

El informe registra la causa, el tiempo y el lugar.

Pero los vacíos biográficos en la vida de William Shakespeare hacen que sea imposible saber si esta fue la muerte de una prima o de otra persona relacionada con el dramaturgo cuando era un niño viviendo en Stratford upon Avon.

Sin embargo, Emma Smith, estudiosa de la facultad de Inglés de Oxford afirma que es probable que William Shakespeare hubiese sabido de la historia, y que ésta estuviese en su mente a la hora de escribir la muerte de Ofelia en Hamlet.

Hay otras teorías sobre lo que pudo inspirar al bardo, por ejemplo, la historia de Katharine Hamlet, quien se ahogó en el río Avon, no lejos de Stratford upon Avon, en 1579, una década después de Jane Shaxpere.

/www.bbc.co.uk

El castillo de Neuschwanstein

2011-05-30T06:02:00.000-07:00

Viajar a Múnich . Un destino romántico y de ensueño en el que puedes visitar museos, palacios y monumentos. Hay más de 33 lugares declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO que no te puedes perder.

Uno de los sitios más interesantes y curiosos para ver, se encuentra en los alrededores de Múnich, la ciudad de Baviera . En sus impresionantes montañas el rey Luis II mandó construir dos espectaculares castillos llamados Linderhof y Neuschwanstein . Concretamente elúltimo nos resultará más familiar a todos, ya que Disney se inspiró enél para hacer el castillo de la Bella Durmiente .

El castillo no se construyó como un lugar de celebraciones y de ostentación, si no que al contrario que todos los reyes de la época Luis II lo construyó para esconderse. No le gustaba su vida pública y eligió estas montañas para levantar su retiro, donde se refugiaba en su mundo imaginario. Este sentimiento se reflejaen la decoración de las estancias del castillo, pinturas inspiradas en las operas de Wagner y murales sobre temas de amor, culpa, penitencia y salvación.

Si vais a visitarlo en alguna ocasión, no dudéis en contarnos que tal os ha ido y si es tan impresionante como parece. ¡Buen viaje!

/es.globedia.com/

Lago Todos Los Santos ubicado en la X región de lagos

2011-05-30T05:56:00.000-07:00

El Lago Todos los Santos es un espejo de agua ubicado en la X región de lagos, de las XV que posee el país de Chile, a más de 90 kilómetros al noreste de la capital de la región homónima de Puerto Montt, a 75 kilómetros al este de la ciudad de Puerto Varas, y situado en el centro del Parque Nacional Vicente Pérez Rosales en la provincia de Llanquihue.

Imagen Panoramio

También conocido como el Lago Esmeralda, es de origen glaciar y se encuentra a 190 metros sobre el nivel del mar, en aproximación. Superando los 300 metros de profundidad y una superficie que supero los 170 kilómetros cuadrados, este lago se ha transformado en una postal bien distintiva de lo que ha crecido el turismo en el país trasandino.

Este gran espejo de agua fue descubierto por Jesuitas que poblaban la isla grande de Chiloé y buscaban una ruta hacia La Pampa, una provincia de la República Argentina país vecino de Chile, pero nuevamente comenzó a tomar importancia luego de que expedicionarios esclaran el volcán Osorno y pudieran divisar el lago, avistaje que se dio a mediados del siglo XIX.

Este polo atractivo para los turistas se encuentra rodeado de montañas, bosques secos, y volcanes entre los que se pueden destacar Tronador, Puntiagudo y el Osorno, todos ellos sin riesgo de erupción, con nieves eternas y escalables.
//es.globedia.com/

Isla Gorgona de Colombia Parque Nacional Natural de la Isla Gorgona

2011-05-30T05:50:00.000-07:00

Perteneciente al municipio de Guapi departamento del Cauca, pero a 35 kilómetros al oeste de distancia de la costa colombiana e inmersa en el Océano Pacífico se encuentra la Isla Gorgona, una maravilla natural que incremento el ecoturismo en el país sudamericano, donde antes solo habitaban los presos de la penitenciaría Gorgona.

Imagen Absolut-colombia

Situada dentro del Parque Nacional Natural de la Isla Gorgona se haya la selva tropical que reviste cada rincón de este archipiélago tan particular, en el que millones de visitantes llegan año a año para disfrutar de sus magníficas playas, aprender y practicar buceo, o para recorrer la enorme cantidad de laboratorios que se dispersan por la isla, que muchos investigadores catalogan como uno de los mayores lugares de interés científico que existen en el planeta debido a la variedad de los bancos coralinos y arrecifes.

Esta isla de Colombia fue descubierta en el año 1524 por el investigador oriundo de España Diego de Almagro, quien bautizó a la isla con el nombre de San Felipe, pero finalmente el conquistador Francisco Pizarro habitó este lugar y cambió su nombre a Isla Gorgona debido al gran número de serpientes que poblaban la isla y haciendo referencia a las mujeres de la mitología griega que llevaban estos reptiles en lugar de pelo en su cabeza.

Este cayo posee una longitud de 9 kilómetros por 2 kilómetros y media de ancho, su área terrestre esta conformada por 26 kilómetros cuadrados y su territorio marítimo por 61.687 hectáreas.

Francisco Pizarro
Colombia

/es.globedia.com/

Illa das Esculturas ‘Saavedra, zona de descanso’ Francisco Leiro

2011-05-07T05:14:00.000-07:00

''Sabía que la obra se iba a reflotar próximamente, pero no tenía la certeza de que hoy fuera el día escogido'', aseguraba ayer Francisco Leiro, autor de la escultura ‘Saavedra, zona de descanso’ que forma parte del espacio artístico de la Illa das Esculturas.

En su afán por devolver la normalidad a este museo al aire libre compuesto por una docena de trabajos de importantes artistas como Richard Long o Fernando Casás, el concejal responsable de la obra que fue volcada sobre las aguas del río Lérez hace más de dos años y medio, Raimundo González, confirmaba hace unas semanas que los medios necesarios para reubicar la pieza ya estaban preparados y que nada impediría volver a devolverla a su estado inicial.

Nuria Martínez (Pontevedra)

/diariodepontevedra.galiciae.com

Melba Luz Asturizaga , Mujeres de arcilla, una oda a la escultura clásica

2011-05-04T14:17:00.000-07:00

Tradición: La artista, de 29 años, toma la figura femenina por la gracia de sus movimientos.

La escultora Melba Luz Asturizaga, una de las principales exponentes de la escultura clásica italiano-europea de los siglos XV al XVII, exhibe su arte en el Museo San Francisco (al lado de la basílica menor del templo). La muestra se mantendrá disponible al público hasta el 14 de mayo.

La obra plástica de Asturizaga es de tendencia “clásica europea”, cargada de hiperrealismo, detalle y movimiento. Son características que se observan en una veintena de piezas dedicadas principalmente a la figura de la mujer, sin descartar la presencia de la figura masculina, en un material noble como la arcilla.

La exposición cuenta con el apoyo del Ministerio de Culturas, la Fundación UNIR, la Universidad Mayor de San Andrés, el Gobierno Autónomo Municipal de El Alto y el Grupo de Maestros Plásticos de La Paz.

LA MIRADA DE LA AUTORA. Según la artista, su muestra escultórica pretende recopilar y hacer énfasis en la figura humana. Asturizaga sostiene que aspectos como reflejar los sentimientos hoy en día fueron dejados de lado. “Es más, asevera, el arte dejó atrás esos parámetros clásicos, sumergiéndose en la corriente vanguardista, en instalaciones, arte efímero o conceptual y otros bajo la premisa de que el arte como tal es libre”.
www.laprensa.com.bo/

Carlos Paz en el Torreón de Lozoya Salas Caballerizas

2011-05-04T12:49:00.000-07:00

A la monográfica de su obra, presentada en las Salas Caballerizas del Torreón de Lozoya, de Caja Segovia, el artista Carlos de Paz denomina“Memorias”, título que evoca a su madre, recientemente fallecida. Son producciones de ayer y de ahora; el hecho narrativo y un reduccionismo que se ha ido manifestando, paulatinamente, al incorporar a sus procedimientos nuevas técnicas que abren múltiples posibilidades.

Carlos de Paz (Segovia, 1964) se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. En 1987 participó en una colectiva abierta en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y a partir de este inicio su obra aparece en colectivas y certámenes, y protagonizan sus primeras individuales en Valladolid y Lugo. Carlos Paz se ha esforzado desde las etapas iniciales para ponerse a compás de los ritmos creativos que llegan marcando las circunstancias de cada tiempo. Es cuando a su superficie pintada agrega elementos naturales estableciendo una marcada tensión entre fondo y superficie. Y Carlos de Paz se abre a los circuitos internacionales, participando en ferias de arte.

En la pintura de Carlos de Paz coexisten formas y figuras reales o imaginadas, el indicativo simbólico, y la superficie como una piel o soporte que siempre esconde lo intuido. Porque es un artista que siente su alrededor y trata de señalar los enigmas que la vida encierra. Y de ello ofrece una manifestación en la muestra “Memoria”, retrospectiva de Carlos de Paz en el Torreón de Lozoya, hasta el 29 de mayo de 2011.

/infoenpunto.com

Willi Baumeister, artista aleman vanguardias históricas

2011-05-04T12:26:00.000-07:00

Obras de Willi Baumeister, artistas alemanes. Una de las figuras más relevantes de las vanguardias históricas en Alemania y uno de los pocos que tuvo la valentía y la fuerza de salvaguardar las ideas y las esperanzas de la Modernidad frente a la opresión política del nacionalsocialismo y la quiebra que supuso la Segunda Guerra Mundial.

En la exposición organizada por la Fundacion Juan March, podrás ver casi 50 pinturas y 25 dibujos que ofrecen una visión global de la creación del artista.

En sintonía con la Modernidad, la pretensión de Willi Baumeister fue totalizadora: su obra y su magisterio se extendieron, más allá de los clásicos campos de la pintura, el dibujo y la obra gráfica, hasta los de las artes decorativas y, especialmente, a la tipografía y escenografía teatral.

Willi Baumeister no fue sólo un artista alemán: su influencia y sus relaciones profesionales y de amistad trascendieron las fronteras geográficas de Alemania y llegaron, entre otros países, a España, Suiza e Italia.

Las obras podrás conocerse del 8 junio al 10 diciembre 2011, en la calle Castelló, 77 – Madrid

Ignacio Merino (1817-1876).

2011-05-04T12:20:00.000-07:00

Julio Verne se imaginó al Perú gracias a él. Corría el año 1851 cuando el pintor peruano Ignacio Merino presentaba en París sus dibujos costumbristas y, al verlos, el gran escritor francés ideó su novela Martín Paz. Pero esto es solo una anécdota, pues las pinturas de Merino destacarían años después en Francia, tanto que podemos afirmar que fue el primer pintor peruano en tener reconocimiento internacional. La exposición Ignacio Merino (1817-1876). La historia imaginada, que se presenta en el Museo de Arte de Lima (MALI), es un homenaje a este gran artista de quien hoy se conoce muy poco.

HISTORIA PINTADA. Bajo la curaduría de Luis Eduardo Wuffarden, esta retrospectiva es la más grande que se haya hecho sobre la obra de Merino, gran parte de la cual pertenece a la Municipalidad de Lima. Se ha reunido el 80% de su obra conocida, entre lienzos y dibujos, los cuales muestran su paso del costumbrismo hacia una pintura más académica, influenciada por Rembrandt en su fase final.

Destacan sus cuadros de temática histórica, como los dedicados a Cristóbal Colón y a Miguel de Cervantes leyendo El Quijote. Además de sus lienzos con estampas limeñas, como el de la vendedora de frutas de Chorrillos o el de la jarana criolla.

La muestra, dice Wuffarden, nos devuelve a este pintor que estuvo postergado por la crítica al no entender el contexto histórico que vivió. La ‘historia imaginada’ de Merino es el registro de un hombre de su tiempo.

DATOS:

Ignacio Merino: La historia imaginada

* La exposición estará abierta al público hasta el próximo 19 de junio.

* Lugar: Museo de Arte de Lima-MALI (Paseo Colón 125, Cercado).

* Horario: De martes a domingo, de 10 a.m. a 8 p.m., y sábados, de 10 p.m. a 5 p.m.

* Ingreso libre.

* El jueves 19 de mayo, a las 6:30 p.m., habrá una visita guiada con el curador de la muestra.

Jaime Cabrera Junco
/peru21.pe/

Luis Fernando Benedit varios cuadros

2011-04-27T10:15:00.000-07:00

Fue el primer latinoamericano que expuso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Formó parte del CAYC y el Grupo de los Trece.

A la edad de 73 años falleció ayer el artista plástico argentino Luis Fernando Benedit a causa de una neumonía que complicó sus problemas cardíacos. Hasta febrero de este año pudo verse en el Centro Cultural Recoleta una de sus últimas exposiciones, Testa + Bedel + Benedit, los tres arquitectos que remodelaron un viejo asilo de ancianos en un centro cultural en la Ciudad.

Precisamente en esta muestra podían verse obras de Benedit como “Silla de hueso” (2008), la cual está hecha con hierros y huesos pulidos de caballo. Al respecto, cuando expuso Equinus Equestris (MALBA, 2009) explicó que los seres humanos “venimos de una civilización ecuestre, donde el caballo y el hombre tenían una relación simbiótica: me interesa como animal político”.

Si bien nació en Buenos Aires, parte de su adolescencia la vivió en Entre Ríos donde comenzó a interesarse por el mundo del arte. Más tarde se recibirá de arquitecto y en 1967 fue becado por el gobierno italiano para estudiar paisajística en Roma.

/www.periodismo.com

Éxito de escultor camagüeyano en Costa Rica Gregorio Pérez Escoba

2011-04-27T06:27:00.000-07:00

La Habana, Cuba.- El escultor Gregorio Pérez Escobar, de Camagüey, regresó a su ciudad natal tras ofrecer en Costa Rica conferencias y demostraciones acerca de la creación escultórica a alumnos de nivel superior y medio de arte.

Pérez Escobar abordó contenidos como el pasado y presente de la escultura en Cuba, y conceptos relativos al trabajo en mármol, además de realizar ejercicios prácticos de modelado en barro y talla en madera.

Licenciado en pedagogía en la especialidad de plástica, el creador intercambió con estudiantes de la filial de la Universidad Central en Heredia, y en el plantel denominado la Casa del Artista, en esa localidad.

La visita a Costa Rica incluyó también una invitación al V Simposio Internacional de Escultura, en la localidad de Barva, a cuya venidera edición resultó invitado.

Tradicional desfile inaugurará Encuentro Academias de Ballet

Con el tradicional desfile de varias generaciones de bailarines quedará inaugurado hoy en la capital cubana el XVIII Encuentro Internacional para la Enseñanza del Ballet, que en esta oportunidad estará dedicado a homenajear el aniversario 50 de la creación de la Escuela Elemental de esa especialidad de Ciudad de La Habana “Alejo Carpentier”.

Esta cita, cuyo propósito es promover el desarrollo de la labor formativa, técnica y conceptual del arte danzario dirigida a estudiantes de entre siete y 20 años, especialistas y maestros , ha convocado a alrededor de 300 participantes de Cuba y otros 12 países como México, Brasil, Venezuela e Italia.

Para la ocasión se ha organizado un programa para maestros que incluye clases magistrales (teóricas y prácticas) y conferencias e intercambios con instituciones culturales.

También los organizadores anunciaron las Galas Especiales que como parte de este encuentro han sido previstas, destacando las que dedicarán a la Organización de Pioneros José Martí – que incluirá el estreno del ballet Pedro y el Lobo, de Linet García – y la destinada a homenajear a Loipa Araújo, una de las “cuatro joyas” del Ballet Nacional de Cuba.

Permanece en cartelera La profana familia, de Nicolás Dorr

Hasta el 24 de abril se mantendrá en cartelera La profana familia, pieza con la cual el dramaturgo Nicolás Dorr regresa al teatro después de seis años alejado de los escenarios cubanos.

Las funciones son los viernes y sábados, a las 8:30 p.m., y domingos, a las 5:00 p.m., en la sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba.

Después de El hombre más codiciado del mundo (2005), La profana familia es una obra donde se mezclan el humor y lo dramático, en situaciones y personajes insólitos.

Una familia muy peculiar que prefiere vivir a su manera sin importarle que la consideren disfuncional, mantiene un ambiente hogareño de fiesta continua hasta que una inesperada decisión de la madre ocasiona un violento disturbio.

La puesta en escena es del propio autor y cuenta con las actuaciones, en doble elenco, de Daisy Dorr, Miriam Martínez, Yani Martin, Luis Toledano, Idalmis Paula, Alejandro Rodríguez, Laura Moras, Rubén Araújo y Miguel Fonseca.

Municipios santiagueros disfrutan de la literatura

El Festival del Libro en la Montaña, extensión del mayor suceso editorial cubano hacia las comunidades más intrincadas, lleva el producto literario a manos de los pobladores serranos, como gran fiesta del conocimiento.

Pobladores de los nueve municipios de Santiago de Cuba, insertados en el Plan Turquino (destinado al desarrollo integral de la vida en la montaña), estrechan su relación con la literatura, en una cita que propone ventas, presentaciones de títulos e intercambios con autores, además de la habitual fiesta infantil.

La feria ha llegado ya a consejos populares de difícil acceso en los municipios de Palma Soriano, Contramaestre, Mella, San Luis, Songo-La Maya y Santiago de Cuba, en tanto prevé continuar por Segundo Frente y Tercer Frente, hasta cerrar en las poblaciones costeras y serranas de Guamá, el 30 de abril.

Reabierto al público Museo Municipal de Historia de Batabanó

Luego de tres años cerrado por dificultades constructivas, fue reinaugurado el Museo Municipal de Historia de Batabanó, en la provincia de Mayabeque, el cual cuenta con una de las mayores cantidades de piezas arqueológicas del occidente de Cuba.

Esos objetos han sido recolectados en zonas rurales y costeras y en un sitio denominado Surgidero Dos, hallazgos realizados por el grupo espeleológico Amigos de la Ciencia, dirigido por Efraín Arrascaeta, también director del recinto.

Se han encontrado allí piezas de barro y porcelana procedentes de varios países, fundamentalmente de Noruega, Holanda, España y Francia, correspondientes a los siglos del XV al XVIII.

En el lugar pueden observarse objetos patrimoniales de la provincia y el municipio, incluida la Orden del Águila Azteca, concedida por el Gobierno de México a Isidro Albaina, quien fue amigo del músico de ese país norteño Juventino Rosas y del cual conservó pertenencias después del fallecimiento de este en Batabanó, en julio de 1894.

(Agencia Cubana de Noticias)

www.radiorebelde.cu/n

'Mujer recostada' Federico Beltrán Massés al Museo Art Nouveau y Art Déco

2011-04-26T14:13:00.000-07:00

La Asociación de Amigos de la Casa Lis ha donado el cuadro 'Mujer recostada' del pintor cubano Federico Beltrán Massés al Museo Art Nouveau y Art Déco. Con esta obra, que representa la figura de una mujer sobre un diván mostrando su desnudez, ya son nueve las que posee de este creador.

La obra donada es un óleo que cuenta con la técnica de composición, muy característica del pintor, cargada de simbolismo. La pintura se mostrará durante los próximos meses en el patio central de la Casa Lis<7b>, en agradecimiento a la Asociación Amigos de la Casa Lis, que ha invertido 3.000 euros en su adquisición, aunque es un precio muy inferior al del mercado. El Museo se ha hecho cargo de los gastos de restauración y enmarcado del lienzo.

La Casa Lis posee en su colección de pintura nueve cuadros firmados por el pintor cubano Federico Beltrán Massés, el cual estableció su residencia en París después de haberse formado entre Madrid y Barcelona. En el legado inicial de Ramos Andrade había seis pinturas de este autor, entre las que destacan la reconocida 'Salomé', 'Carnaval' y 'Desnudo de espaldas', además de tres pequeñas tablas de apuntes costumbristas españoles: 'Saludos de España', 'Goyesc'» y 'Procesión'.

Posteriormente el Museo adquirió dos cuadros más, 'Retrato de Pamela verde' y una pequeña tabla costumbrista, 'Paisaje'.

Durante los años 2007 y 2008 el Museo organizó en la Casa Lis una gran exposición sobre Beltrán Massés, denominada 'Enigma y Sensualidad', que también pudo ser visitada en Castellón y Segovia.

Federico Beltrán Massés, quien falleció en 1949 en Barcelona, se convirtió en el retratista preferido de la aristocracia de su tiempo, incluidos duques, princesas e incluso Rudolf Valentino... quedaron plasmados en lienzo con el estilo único de un pintor influenciado por los grandes maestros de la pintura española y por la época modernista que vivió en primera persona.

José Manuel Blanco | Salamanca

/www.elmundo.es/e

Inventos de genios taiwaneses impresionaron en Suiza

2011-04-26T09:58:00.001-07:00

GINEBRA, (CNA).- Los inventores de Taiwan se adjudicaron seis premios especiales, 42 medallas de oro, 34 de plata y cinco de bronce el viernes 8 en la 39ª Exhibición Internacional de Invenciones en Ginebra, Suiza.

Desde los conceptos prácticos hasta los puramente imaginativos, los 86 participantes taiwaneses impresionaron mucho a los observadores extranjeros al mostrar su creatividad.

Entre los miembros de la delegación taiwanesa, cuatro estudiantes procedentes de la Escuela Secundaria Básica de Tucheng, en la Ciudad de Nueva Taipei, modificaron una ballesta, una arma de antigua China, para convertirla en una arma capaz de disparar flechas consecutivamente como una pistola, ganando en grupo un premio especial para adolescentes que fue patrocinado por Rusia, convirtiéndose en los ganadores más jóvenes en la competición de este año.

Otra invención -- una máquina de café -- que fue diseñada por Lu Chun-lin de la Universidad Kun Shan, puede hacer café automáticamente después de recibir las órdenes dadas por las diversas personas, por medio de un aparato incorporado que puede reconocer las voces. Lu ganó un premio especial patrocinado por Rumania por su invención.

Un colector de orina portátil, desarrollado por el cirujano cardiovascular del "Taiwan Adventist Hospital", Yuan Ming-chi, ayudará a los ancianos y a las personas que sufran de incontinencia de orina a eliminar su dependencia de pañales para adultos. Por haber inventado algo tan práctico, Yuan obtuvo una medalla de oro en la exhibición.

La idea de la profesora Chuang Ying-shen, de la Universidad Chung Hwa, también atrajo la atención en la exhibición. Chuang creó tacones cambiables para los zapatos de tacones altos. Una persona de moda puede instalar un tacón parecido a la Torre de Eiffel o al rascacielos "Taipei 101". También tiene tacones en la forma de mahjong y de ajedrez chino.

"20 Minutes", el mayor periódico para los viajeros diarios al trabajos en la comunidad de habla francesa en Ginebra, publicó el jueves 7 un artículo de media página sobre la invención de moda de Chuang. Hsieh Fa-dah, el representante de Taiwan ante Suiza, también presentó cinco premios especiales a los participantes procedentes de otros países en la ceremonia de entrega de premios el viernes 8.

Los 86 participantes taiwaneses vinieron de 15 escuelas y 14 empresas. Demostraron sus invenciones junto con más de 750 exhibidores provenientes de 45 países. La exhibición, que empezó el 6 de abril, durará hasta el próximo domingo 10.

//horacero.com.pa/

La “joyita” de Tarija El castillo color cielo

2011-04-26T09:54:00.000-07:00

DE PROPIEDAD PRIVADA. EL CASTILLO AZUL ES UNO DE LOS PATRIMONIOS DE TARIJA, SOBRE EL CUAL SE TEJEN DIVERSAS LEYENDAS DEL PUEBLO Y SU DUEñO.
CIUDAD DE TARIJA

CALLES BOLÍVAR Y JUNÍN

La mansión es habitada actualmente por 12 personas, sin embargo, por detrás se tejen diversas historias, leyendas y mitos.

Se dibujan cuadros y se crean versos con esta obra arquitectónica que capta la atención de las personas propias del lugar como también de turistas que pasan por la calle Bolívar. ¿Qué hay detrás del Castillo Azul? ¿Quiénes viven en la actualidad? ¿Qué historias hay detrás de esta infraestructura que viene del siglo XIX?

Historia y mito de una familia

Hace aproximadamente un siglo y medio hubo en Tarija un comerciante tan rico que decidió edificar para sí un castillo y una casa dorada. Se llamaba Moisés Navajas y el cual nació con la fórmula perfecta para convertirse en potentado: en una cuna adinerada y con gran talento personal para hacer negocios. Los Navajas vendían todo lo que se podía imaginar: telas, alfombras, vidrios, herramientas, madera, pistolas, adornos, muebles, sartenes, ollas, rejas, azadones y otros.

Dicha familia trabajó arduamente para construir dos edificaciones emblemáticas para la ciudad de Tarija, la Casa Dorada y el “Castillo Azul”, esta última

Sueños de construcción

Esta edificación era una casa de campo, que con el paso del tiempo se considera como “la joya tarijeña”.

Esta casona fue construida inmediatamente después de terminar la Casa Dorada, otra obra de gran valor de Tarija; su infraestructura fue diseñada y construida por los hermanos Camponovo quienes utilizaron adobes de barro, ladrillos, cal, piedra, yeso y madera rolliza. Este Castillo cumplía las funciones de casa de campo porque estaba rodeada de jardines y plantas traídas de diferentes partes del mundo, que fueron encomendadas por los esposos Navajas.

Cabe mencionar que esta edificación cuenta con muchas historias que se tergiversaron a través del tiempo, por ejemplo, que servía como un banco privado que emitía su propia moneda papel, o que el parque Bolívar era el principal jardín del castillo. Sin embargo, ninguna es cierta.

historias urbanas

El actual propietario es don León Rengel Martínez y él vive en este lugar junto a su familia, integrada por doce personas, quienes utilizan los ambientes de manera privada.

El Castillo constantemente es sometido a mantenimiento y se trata de conservar el diseño original mediante fotografías. Hay cosas intactas, como algunas puertas, y cuadros de pintura. Por ello es que Rengel recibió reconocimientos a nivel internacional por preservar el Castillo Azul, por ejemplo, plaquetas recordatorias de Perú, Colombia, entre otros.

En realidad la casa es privada, pero pueden visitarla turistas, previa coordinación con el dueño.

Es decir, que reciben grupos de visitantes, no todos los días. Los arreglos y el pintado del Castillo los paga Rengel de manera personal. No quiso dar detalles de los gastos porque es parte de su cariño a favor del patrimonio de Tarija, ya que representa algo único en su vida. Lo llama la “joyita”.

En este sentido, es que no tiene pensado vender el Castillo o convertirlo en un museo, aunque le ofrecieran una gran cantidad de dinero. Pero está presto a ceder sus espacios para realizar actividades culturales en sus salas, como presentaciones de libros.

De todas maneras, don León tiene la intención de conseguir una galería de fotografías de personajes de Tarija como, ex presidentes y ex alcaldes destacados, para luego instalar una biblioteca y exponer los libros que tiene de colección, que servirán para impartir conocimientos a las nuevas generaciones.

“El Castillo es un atractivo único de Tarija. Los países europeos tienen sus castillos y los saben preservar, lo mismo ocurre en Tarija. Esta obra es interesante porque tiene sus singularidades especiales”, mencionó Rengel.

¿FANTASMAS?

Al respecto el propietario comentó que en un tiempo se escuchaban ruidos en el interior del Castillo, por ejemplo, golpes en las puertas en horas de la noche, antes de dormir. No solamente él escuchaba los sonidos raros, sino también gente ajena que visita y se quedaba en el lugar.

“Estos ruidos eran constantes, por lo menos una vez al mes, pero dejaron de escucharse”, indicó Rengel.

Otro hecho que llamó la atención es que hubo una persona, hace años, que sacó una fotografía al Castillo de la vereda del frente, en pleno atardecer, y la imagen mostró una virgen por encima de la infraestructura.

El Castillo sirvió para reuniones familiares y cenas con distinguidos artistas y autoridades a nivel nacional e internacional. Por ejemplo, recuerda la visita de los alcaldes de Jujuy, Salta y Palpalá. También se acuerda de la exposición de libros de autores tarijeños después de culminar la restauración.

/www.opinion.com.bo/

Castillo de Leguín Fuerte y enriscado El monte de Leguín, en el valle de Izagaondoa

2011-04-26T09:51:00.000-07:00

El monte de Leguín, en el valle de Izagaondoa, esconde en su cima los cimientos de la fortaleza más antigua que se conoce en Navarra

"Luego el emir se dirigió a Iguin (Leguín); arrasando todo a su paso, destruyendo cosechas y arruinando aldeas y castillos": era el 23 de julio del año 924. El califa Abd al-Rahman, en plena campaña musulmana, arrasaba la fortaleza de Leguín después de haber cruzado el valle de Izagaondoa en su marcha de Lumbier hacia Pamplona. Ésta es la primera referencia documental, escrita por el cronista de aquella campaña, que encontramos del castillo de Leguín, en Izagaondoa; un castillo que a pesar de su gran importancia, no ha podido evitar que el paso de los siglos se haya llevado sus muros… y su memoria. Cierto es que siempre nos va a quedar esa memoria que aparece depositada en los diferentes documentos, pero a nivel popular sorprendentemente Leguín es el gran desconocido. Y no debiera de ser así.

Torre de vigilancia ¿Dónde está Leguín? Sitúese el lector en el Valle de Izagaondoa, un coqueto valle que siglos atrás era atravesado en toda su longitud por el Camino Real que unía Sangüesa con Pamplona. Se trata de un corredor natural que unía la capital con uno de los puntos fronterizos del Reino. Esa circunstancia se traducía en que ese Camino Real estaba jalonado de torres de vigilancia, unidas visualmente entre sí, que en caso de invasión por parte del enemigo de turno permitían comunicarlo con una gran rapidez para reaccionar cuanto antes y de la manera más eficaz.

Así pues, Leguín en sus orígenes fue una torre vigía, intermedia entre la de Irulegui -en el portillo de Laquidain- y alguna otra, hoy inexistente, que podía estar en Urbicain, Ardanaz, Beroiz o algún otro punto de las inmediaciones. La fortaleza de Leguín estuvo, y está, en la parte alta del monte conocido como Leguín, muy cerca de Mendinueta, desde donde se domina perfectamente buena parte del Valle de Izagaondoa.

Si en el año 924 los musulmanes destruyeron completamente esta fortaleza, en los años posteriores los cristianos la volvieron a levantar. A través de un acta de donación a Leire firmada el 17 de abril de 1014, sabemos que en esa fecha al frente del castillo de Leguín estaba un tal García Ortíz. Puntualizo, para que nadie se engañe, que lo que se donó a Leire en ese fecha no fue este castillo sino un monasterio, el de Yrrumendi, cuya ubicación se desconoce. Curiosamente, un año más tarde Leguín ya había cambiado de titular, en beneficio de García Fortuniones.

Informaba el padre Moret que en el año 1139 el de Leguín "era un castillo muy fuerte y enriscado, cuyas ruinas se ven muy cerca de Urroz", y aportaba además el dato de que ese año quien estaba al frente de la fortaleza era el conde Don Ladrón.

Unos años más tarde, en el 1175, era el ejército castellano quien conquistaba este castillo, si bien, al año siguiente fue restituido al rey de Navarra.

Al cambiar de centuria, en aquellos primeros años del siglo XIII, el alcaide era Rodrigo de Agaiz; posteriormente, reinando ya Teobaldo I, vemos de alcaide en 1234 a Sancho Fernández de Monteagudo; en 1280 era Pero Roiz de Argaiz, y en 1290 un tal Pero Aibar de Iriberri.

Reparaciones Una parte muy importante de la información de estas fortalezas que ha llegado hasta nuestros días proviene de los permisos, informes y descripciones de las obras de reparación, lo cual nos permite conocer con riqueza de detalles cómo eran realmente estos castillos, cómo estaban hechos e incluso cómo era la vida en su interior. En el caso de Leguín, un documento de 1305 alude a las obras de reparación que allí se hacen; era entonces alcaide Martín de Aibar, y se recubrieron las edificaciones que rodeaban a la torre con cubierta de madera y de lajas. A través de las investigaciones realizadas por Juan José Martinena se conoce toda la relación de alcaides hasta 1494, el último el señor de Olloqui.

En esa segunda mitad del siglo XIV podemos ver que Leguín era realmente un núcleo de población; cada casa tenía su nombre. En 1361 se reconstruyó la casa del horno, y hubo que hacer tejado nuevo en la casa Aldategui, pues las goteras la estaban haciendo inhabitable. Cuatro años más tarde se hicieron nuevas las puertas del castillo, incluso hubo que hacer dos puertas de madera de haya para el interior del mismo. En 1367 se hacía las tres puertas de los portales de la muralla que rodeaba Leguín, y se hacía también un puente "para subir al muro", según recoge Iñaki Sagredo en el primer tomo de Navarra. Castillos que defendieron el Reino.

A principios del siglo XV, en 1403 exactamente, un rayo destruyó la redonda torre de Leguín, inutilizándola por completo, dejando la parte superior "sin antepeytos nin mureznos". Aquel incidente, a nivel documental se traduce en un relato curioso de las obras a realizar en esa "torre maor del donjon, redonda, fecha a la morisca", diciendo que el castillo estaba "sitiado en alto logar et Redrado de logares poblados, et que los maestros et braceros que obrarian ailli passarian la maor partida del dia en ir a las noches a dormir a los logares poblados et en vennir en la maynnanas a obrar".

Aquella obra de reparación de la torre le fue adjudicada a dos vecinos de Indurain, también Valle de Izagaondoa; su nombre era Johan Martiniz de Ozticayn y Semen Periz de Leoz, y eran maestros mazoneros. Recogía Fernando Pérez Ollo que el pago se hizo en tres plazos: al principio, "cada et luego que començarian fazer las dichas obras"; en medio, "feytas et obradas montamiento de la meatat", y al término, "cada que las dichas obras ouiessen acabadas de fazer". Llama la atención, tal y como recoge Pérez Ollo que en esas obras de reconstrucción de la torre, a la hora de hacer la cal, echaron al horno nada menos que 282 litros de aceite "con tal que millor se quemase". Pero más curioso es todavía es que la reina, hasta que las obras no estuvieron acabadas y certificadas, no las autorizó.

Al año siguiente, Carlos III nombró alcaide del castillo de Leguín a Martín Pérez de Noáin, que ocupó el cargo desde 1404 hasta 1431, que es cuando en atención a "su gran decripitut de vejez" se le da el relevo a su hijo Juan Martínez de Noáin.

Era el año 1466, Juan II hizo donación del castillo y de las tierras que a esta fortaleza pertenecían, a Juan de Egüés, prior de Roncesvalles. Solían ser estas posesiones monedas de cambio, pago de favores, o premio de lealtades.

Y, finalmente, invadida y conquistada Navarra, con el fin de anular su capacidad de recuperar su independencia, las tropas castellanas, o al servicio de la Corona de Castilla, demolieron en 1516 el castillo de Leguín.

Ésta es la pequeña historia de Leguín, la que nos remonta esta fortaleza nada menos que al siglo X, la que nos permite intuir que este castillo ya existía en tiempo de los reyes pirenaicos. Basta con hacer un análisis de todos los documentos medievales para darse cuenta de que durante muchos siglos se entendió que esa fortaleza había sido una de las más importantes de la historia de Navarra; y hoy, salvo los lugareños del entorno, poca es la gente que sabe de su existencia.

Hace unos años un incendio forestal acabó con toda la vegetación de la cima de Leguín. Aquello permitió dejar a la luz los restos que todavía subsisten. Allí están los cimientos de la torre del homenaje, de aquella torre redonda "fecha a la morisca", con sus tres metros de diámetro interno y su metro de profundidad, que Iñaki Sagredo define como "de gruesos muros realizados con piedras de perfecta sillería extraídas de la roca madre". Quedan allí restos de muros, pequeños lienzos de pared de muy escasa altura. Se puede llegar a apreciar el cuerpo del castillo, lo que pudo ser su fortificación original, que viene a ser un habitáculo alargado de 20 metros de largo, por 6 de ancho. Unos metros más abajo se aprecian restos de lo que fue la muralla que circundaba y protegía la fortaleza.

Y en la ladera del monte todavía podemos ver la Fuente del Moro, a base de piedra de sillería, y que no podemos desvincular del castillo que hubo en la cima.

Pues eso, que sepamos que allí, en ese alto, se alzaba una fortaleza antiquísima, con una historia rica. Izagaondoa tiene eso, historia y arte por doquier; y en este caso se impone volver a reconquistar esa cima, y si Cisneros tiró sus muros, que nosotros, al menos, seamos capaces de alzar su memoria.

pamplona, Fernando Hualde

/www.noticiasdenavarra.com/

Austria podría devolver pintura de Klimt confiscada por Nazis

2011-04-26T09:45:00.000-07:00

Viena.- Un museo austriaco planea devolver un hermoso paisaje de Gustav Klimt al heredero de su propietaria legal después de que varios investigadores descubrieran que fue confiscada por Nazis durante la Segunda Guerra Mundial, informaron autoridades el jueves.

La pintura "Litzlberg am Attersee'', es actualmente propiedad del museo de arte moderno de Salzburgo, MdM Salzburg. La pieza está valuada en 30 millones de euros (44 millones de dólares).

La investigación realizada por varios expertos encargados de registrar el origen de la pintura, que tiene ahora 96 años de antigüedad, mostró que los Nazis la confiscaron de un apartamento en una población cercana a Viena, en el que vivía una mujer llamada Amalie Redlich después de deportar a Redlich a Polonia en octubre de 1941, donde ella fue asesinada, informaron el vicegobernador de Salzburgo Wilfried Haslauer y el director del museo Toni Stooss.

La pintura fue llevada a un coleccionista de arte de Salzburgo y al corredor de arte Friedrich Welz quienes la intercambiaron en 1944 por una pieza de la galería estatal de Salzburgo. Fue tomada subsecuentemente por el sucesor de la galería estatal, la Salzburger Residenzgalerie, en 1952 y finalmente se convirtió en parte del inventario del museo de arte moderno de Salzburgo.

"Es arte robado, no cabe duda de ello'', dijo Haslauer en declaraciones a la radio austriaca Oe1.

El heredero de Redlich, su nieto Georges Jorisch de 83 años, vive en Montreal, Canadá, según el vocero de Haslauer, Thomas Kerschbaum.

El gobierno de Salzburgo debe decidir si procederá con la restitución, como lo recomendó Haslauer. Se espera que se resuelva para mediados de este año, dijo Kerschbaum.

El abogado de Jorisch, Alfred J. Noll, dijo estar impresionado por la forma en la que se ha manejado todo hasta ahora, señaló AP.

"En ningún otro caso he experimentado tanta apertura y objetividad durante la discusión de puntos individuales'', dijo Noll en declaraciones a Oe1. Agregó que Stooss se reunió personalmente con Jorisch.

El caso recuerda la devolución en 2006 de otras cinco pinturas de Klimt que realizó la galería Belvedere de Viena a Maria Altmann de Los Angeles, sobrina de un mecenas del arte vienés. Altmann tuvo una lucha de siete años por las pinturas. Una corte de arbitraje dictó que fueron confiscadas indebidamente por los nazis que anexaron Austria a su territorio en 1938.

Hasta ahora Austria ha devuelto las obras de arte que se encontraban en sus museos federales a los propietarios legales o sus herederos, la mayoría de ellos judíos, de acuerdo con una ley de restitución de 1998.

/www.eluniversal.com/

Un invento español, oro en el Salón de Ginebra José María Torrens Rasl

2011-04-26T09:43:00.000-07:00

Medalla de oro y felicitación del jurado. El balance de la participación de José María Torrens Rasl en el certamen no podía ser mejor. Este barcelonés de Castelldefels, que acudía a la feria con una caldera solar sin elementos eléctricos -pionera por ello-, se ha alzado con el máximo trofeo de uno de los eventos más importantes en su categoría. Y lo ha hecho superando el ingenio del resto de artilugios mostrados por hasta 765 expositores de 45 países.

Con todo, no es el primer español que triunfa en el Salón Internacional de Inventos de Ginebra. En 2010, Celia Sánchez-Ramos resultó galardonada, convirtiéndose en una de las primeras mujeres en hacerse con el primer premio.

La participación española en el certamen dependía este año de 18 prototipos, algunos de los cuales también han sido merecedores de reconocimiento. Así, el Premio García Cabrerizo -que otorga el despacho que representa a la organización del Salón en España y que realiza la gestión de la delegación española en la exposición- a la mejor invención española ha correspondido a la empresa madrileña Trabajos y Obras (SATO), por su invento 'Elemento de hormigón para la construcción de capas blindadas de mantos de diques, revestimientos y espigones para puertos y protección de orillas'.

Por otra parte, un nuevo sistema que hace posible y más cómodo el acceso a los spas a todo tipo de personas (Easyspa), creado por Antonio Serrano González (Jávea, Alicante), ha sido galardonado con el Premio Especial de la Oficina de Patentes y Marcas. Además, han recibido medallas de oro Mikel Gutierrez Aramberri (Madrid) por su pinza de recuperación de sutura; José Maregil Alonso (Madrid) por su sistema de reciclaje aguas grises; Francisco Javier Garcés Cervera (Valencia) por su chupete aromático para que los bebés respiren mejor; Ramón Lillo Olmeda (Alicante) por su soporte de sujeción con tapón automático empleado principalmente para parasoles, y Cadama Technologie S.L. por su pulsera de silicona con avisador vibratorio para la toma de medicamentos.

/www.cincodias.com/

Exhiben a Cristo en obras de Rembrandt en París

2011-04-26T08:21:00.000-07:00

Pinturas, estampas y dibujos de Cristo creados por el famoso artista holandés Rembrandt (1606-1669) son exhibidas en el Museo de Louvre, de París, tras 350 años de dispersión en diversas colecciones de Estados Unidos y Europa.

Bajo el título "Rembrandt y la figura de Cristo" se reúnen cerca de un centenar de piezas provenientes del Museo de Arte de Filadelfia, del Instituto de Artes de Detroit y del propio Louvre.

Son obras en la que el destacado artista trató de mostrar la "verdadera" fisonomía de Jesucristo, con las que rompió con la tradición del arte cristiano que plasmaba una visión glorificada.

Con comisaría de Blaise Ducos, se cree que Rembrandt eligió como modelo a una joven judío de la época, proveniente de una comunidad con la que el artista estaba en contacto y daba testimonio de "la tolerancia y la multiconfesionilidad" , que predominaba en Holanda.

Las pinturas que conforman "Rembrandt y la figura de Cristo" representan un largo periodo de investigación referente a la figura de Cristo, y luego de más de tres siglos de haber salido del estudio en Amsterdam del pintor, vuelven a reunirse para ser contempladas por el público, hasta el próximo 18 de julio.

De manera conjunta, las piezas que integran esta exhibición fueron realizadas con diversas técnicas experimentadas por el artista a lo largo de su vida, ejemplo de ello es el esbozo a aguafuerte, una de las especialidades del pintor.

Los visitantes podrán observar "Los peregrinos de Emaús" y "La estampa de los cien florines" , piezas consideradas las atracciones principales en las que Rembrandt, plasma la figura de Jesús, la cual se colocó como su predilecta para pintar diversas interpretaciones.

Asimismo se expone el "Crucifixión" , creado en 1631, y donde el artista muestra a Cristo como un hombre deshecho, miserable, mártir, en contraposición con el cuerpo glorioso pintado por otros artistas de la época.

Las pinturas elaboradas por el joven holandés, son mostradas en compañía de grabados de grandes maestros que pertenecieron a Alberto Durero (1471-1528) , Lucas de Leyde (1494-1533) , Hendrick Goltzius (1558-1617) y Andrea Mantenga (1431-1506) .

La muestra también incluye este cuadro flanqueado por representaciones de la misma escena firmadas por Jan Lievens y Jacob Backer, ejemplos de la influencia de Rembrandt sobre sus coetáneos y sucesores, que reaccionaron tratando ellos también de dar respuesta a la pregunta que atenazaba al artista.

La exposición "Rembrandt y la figura de Cristo" podrá ser visitada en el Museo de Louvre de París, hasta el próximo 18 de julio.
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Los museos en el turismo cultural del Principado

2011-04-26T07:30:00.000-07:00

En los últimos años se está produciendo una amplia transformación de la demanda y un incremento de nuevas ofertas del turismo cultural como puntos clave para el desarrollo local. Esta situación es más frecuente en las zonas que disponen de un amplio e importante legado patrimonial (palacios, castillos, catedrales, ciudades históricas, museos...) y que buscan rentabilizarlo igual que otras modalidades masificadas del turismo. El turismo cultural ha pasado, en poco tiempo, de minoritario y elitista a consumo masificado, representando actualmente en tomo al 5% del PIB de los países desarrollados y, entre ellos, España.

Los museos son actualmente un elemento significativo en el proceso de mercantilización de la cultura, especialmente en grandes ciudades, puesto que aportan una gran variedad de atractivos para los turistas. Junto con archivos y bibliotecas contienen testimonios del trabajo realizado a lo largo de la historia. Los primeros fueron creados por los griegos y los públicos tienen su origen en el Museo Ashmolean de Arte y Artesanía, inaugurado en 1683 por la Universidad de Oxford. A lo largo de la Edad Contemporánea, la mayoría de los museos son creados por los respectivos Estados, extendiéndose en las últimas décadas los museos privados por el crecimiento constante del número de visitantes procedentes de otros países o regiones. Para conocer bien el turismo de algunas grandes ciudades es necesario tener en cuenta los visitantes que reciben el Louvre en París, el National Gallery en Londres, el Ermitage en Leningrado, el Gaudí en Barcelona, el Guggenheim en Bilbao y el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen-Bomemisza en Madrid, entre otros, ya que son claves para atraer turistas.
En Asturias, el número de museos ha crecido considerablemente en fechas recientes al duplicarse casi en la última década y convertirse en un elemento clave en el atractivo turístico del Principado, complementando otros recursos como playas, espacios protegidos, pesca del salmón, Descenso del Sella, visitas a agroindustrias, turismo rural y patrimonio cultural, como la catedral de Oviedo, la basílica de Covadonga, los conventos, etcétera.
Entre los museos naturales destaca el Jardín Botánico Atlántico de Gijón, con un elevado número de visitantes que llegan atraídos por las muchas especies vegetales que se pueden contemplar. También se pueden visitar el Museo del Bosque en Muñalén (Tineo), el de la Madera en Veneros (Caso) o el del Urogallo en Murias (Aller). En otras de zonas costeras se pueden contemplar especies de pescado como calamar y el salmón y la industria conservera. Se pueden visitar, asimismo, museos que dan a conocer productos gastronómicos típicos como la sidra en Nava, el queso en Arenas de Cabrales y el vino en Cangas del Narcea, productos que pueden ser degustados y son un complemento de las jornadas gastronómicas que se celebran anualmente en más del 80% de los municipios asturianos.
Los museos mineros e industriales reflejan aspectos vitales en la economía asturiana a lo largo de los últimos siglos, destacando especialmente el Museo de la Minería y la Industria, ubicado en El Entrego (San Martín del Rey Aurelio), uno de los museos mineros más visitados de España; el Museo de la Siderurgia en Langreo, el de la Minería en Riocastiello (Cangas del Narcea) y el del Oro en Navelgas (Tineo).
Numerosos museos etnográficos asturianos están consolidados: el Etnográfico de Oriente en Porrúa y los de Quirós, Grado, Gijón, Somiedo, Puerto de Vega y Grandas de Salime. Mención especial merece el Museo Vaqueiro en Naraval (Tineo) al permitir conocer datos sobre este grupo tradicionalmente marginado del occidente asturiano. En 2001 se puso en marcha la Red de Museos Etnográficos del Principado, en la que se han integrado catorce museos.
Amplia y variada es la oferta de museos artísticos en Asturias, siendo de destacar los ubicados en Oviedo (Museo de Bellas Artes de Asturias, Museo Arqueológico y Museo de la Iglesia), Gijón (museos Juan Barjola, Casa Natal de Jovellanos, La Laboral, Nicanor Piñole y Evaristo Valle), Candás (Centro de Escultura Museo Antón), Cobertoira en Lena (Aula de Interpretación del Prerrománico), Tineo (Arte Sacro), etcétera. Otros museos permiten conocer mejor otros aspectos de la cultura asturiana, por ejemplo, el del Jurásico de Asturias en Colunga, la Fundación Archivo de Indianos en Colombres, la Casa del Agua en Sobrescobio.
Como punto final, solamente queda desear el mantenimiento, mejora e incremento del número de museos existentes en el Principado para dar a conocer la cultura asturiana a los visitantes, tanto escolares como turistas, y que se sigan atrayendo a lo largo de todo el año, compartiendo el tiempo de ocio con la estancia veraniega en playas, con la práctica de esquí en las estaciones en invierno, con el disfrute de productos gastronómicos típicos todo el año, con visitas a espacios naturales de enorme interés.

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Picasso y Marie Thérèse, un amor loco que perdura en el arte

2011-04-26T07:25:00.000-07:00

NUEVA YORK. —Se llamaba Marie-Thérèse Walter, era una chica rubia, de 17 años, que el pintor Pablo Picasso, de 45, conoció afuera de las tiendas departamentales Galerías Lafayette una tarde de verano parisino en 1927.

Picasso, conocido por su debilidad por las mujeres no dudó en proponerle convertirse en su musa diciéndole que tenía un rostro de lo más interesante. “Soy Picasso”, le dijo para impresionarla, pero a Marie Thérèse el nombre no le sonó de nada. Así que el pintor malagueño la llevó a una librería en la que le enseñó un monográfico de sus obras. La chica, halagada, cayó en sus redes y tras una semana visitando el estudio del pintor se convirtió en su amante. Una de las más queridas (el romance duró 14 años y Picasso permaneció fiel a ella hasta que la fotógrafa franco-yugoslava Dora Maar apareció en su vida).

Durante todo ese tiempo, Marie-Thérèse inspiró la obra de Picasso y son precisamente estas pinturas las que conforman la exposición Picasso y Marie-Thérèse: L´Amour Fou (El amor loco) que desde el 14 de abril hasta el 25 de junio exhibe las más de 80 piezas dedicadas a la musa, en la galería Gagosian de Nueva York (555 West, 24 street).

Amor y arte

La retrospectiva es posible gracias a la historiadora de arte y nieta de la propia Marié-Thérèse, Diana Widmaier-Picasso y el curador y biógrafo de Pablo Picasso, John Richardson que según contó en exclusiva a la revista Vanity Fair en un avance de su libro, A Life Of Picasso ,volumen cuatro, Marié-Therésè salvó la vida al artista al conocerla en un momento en el que estaba hundido psicológicamente. En ese entonces, el pintor malagueño estaba casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova, quién tras las constantes infidelidades del pintor desarrolló una crisis nerviosa que la volvió paranoica y llevó sus celos al extremo.

Picasso, asfixiado por Olga, encontró en Marie-Thérèse un refugio y una nueva aventura inspiradora que durante años tuvo que mantener en secreto, incluso en su obra. De hecho, según explica Richardson, las primeras apariciones de su nueva musa fueron en códigos eróticos como el de una guitarra que espera a ser tocada (Guitare à la main blanche. 1927).

Pero no fue hasta muchos años después, en 1932, cuando una serie de retratos de Marie-Thérèse que Picasso expuso en la Galería Georges Petit de París -y que también se pueden ver en esta exposición-, abrieron por completo los ojos de Olga quién por fin descubrió la identidad de la nueva mujer que le arrebató a su marido. Desde entonces, la bailarina no dejó de entrar y salir de hospitales psiquiátricos. Incluso después de divorciarse del pintor.

Amor y dolor

Basta recorrer los primeros pasillos de la exposición para descubrir cómo Walter llenó de vida al artista durante sus años más prolíficos. Lo primero que sorprende son los retratos de la musa a la que el pintor idolatraba y de quién siempre destacaba su nariz.

Pero, también hubo dolor y desencanto en el amor más duradero del artista. Poco después del cumpleaños 50 de Picasso, Marie-Thérèse dio a luz a María de la Concepción, una hija que despertó el lado más paternal del pintor Pablo Picasso.

Sin embargo, sólo dos meses después, Picasso conoció a la fotógrafa Dora Maar con quién emprendió un nuevo amorío. A partir de ese momento, empezó una doble vida. A Marie Thérèse y a su hija las llevó a vivir a una casa de campo situada a varios kilómetros de París a quienes visitaba los fines de semana mientras que con Maar compartía su vida de éxito y lujo parisino. De esta época se desprenden varias pinturas en las que se pueden ver las escenas más maternales de Thérèse.

Tampoco faltan retratos de Maya, apodo de su hija María de la Concepción, ni las esculturas que su diosa rubia también inspiró. Una carta de amor de Picasso a Marié-Thérèse cierra la exposición cuyas obras abarcan desde 1927 hasta 1940 e incluye muchas piezas de Picasso que nunca antes se habían visto en Estados Unidos.

La galería Gagosian fue transformada por la arquitecto Anabelle Selldorf para acoger las pinturas y esculturas del artista en un marco perfecto.

Y, para complementar este viaje a la obra de Picasso, la exhibición es acompañada por un catálogo ilustrado con un nuevo ensayo biográfico de John Richardson y Diana Widmaier-Picasso que incluye fotografías nunca antes publicadas de Marie Thérèse provenientes de los archivos familiares.

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Invitan a votar por los mejores inventos de la historia

2011-04-26T07:22:00.001-07:00

Se abre la invitación para votar por los 10 mejores inventos de la historia en el sitio web www.vivaelingenio.cl.

El objetivo consiste en destacar el rol del ingenio en la vida humana, ya que todos los objetos, desde la rueda hasta el iPad, desde el teléfono al ascensor, o desde la cerveza al pastel de choclo, fueron creados luego que personas anónimas los hayan imaginado y luchado por concretar sus ideas.

Además, en el sitio web el visitante podrá encontrar trivias acerca de la creación de objetos tales como el teléfono, la cerveza, el e-mail, los ascensores, las tarjetas de crédito y los computadores, entre muchísimos otros.

Guillermo Ochoa, Gerente General de 3M Chile, explica que la idea surgió debido a que “le debemos grandes cosas a la creatividad y la innovación y con el tiempo hemos entendido que lo que en un principio puede sonar como insólito es capaz de transformar el mundo”.

/www.lasegunda.com/

Bolsas de compras. Mr.Walter H. Deubner Inventos simples vitales para la humanidad

2011-02-21T03:35:00.000-08:00

Bolsas de compras. Ir de compras se puede convertir en una adicción, sin embargo, la experiencia no sería lo mismo sin las bolsas. Estos artefactos fueron creados por Mr.Walter H. Deubner, propietario de una pequeña tienda de abarrotes en St. Paul, Minnesota.

Un día, sentado detrás del mostrador de caja se dio cuenta de que la gente utilizaba cosas poco ortodoxas para llevar sus artículos cómodamente y fue así cómo se le ocurrió inventarlas.

En los tres años que patentó su producto ha ganado una popularidad rápida y se embolsó millones de dólares en un año.

de10.com.mx

Clip. Samuel B. Fay en 1867 Inventos simples vitales para la humanidad

2011-02-21T03:32:00.000-08:00

Clip. ¿Que sería de una oficina sin los clips que ayudan a tener los papeles en orden? La primera patente para algo similar a un clip fue concedida al estadounidense Samuel B. Fay, en 1867.

Fue diseñado para sujetar etiquetas en textiles. En 1877, su compatriota Erlman J. Wright patentó el primer objeto explícitamente diseñado para sujetar papeles, similar a los modelos actuales. Varias patentes estadounidenses siguieron durante las últimas décadas del siglo XIX.

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Ligas o bandas de goma.Stephen Perry 1845 inventos simples vitales para la humanidad

2011-02-21T03:28:00.000-08:00

Ligas o bandas de goma. Fueron inventadas por Stephen Perry, en 1845, bajo la bandera de los señores Perry & C. Están formadas por las segregaciones de hule y caucho de algunos vegetales y sintéticos.

Además, contienen hidrocarburos que les dan una menor elasticidad, pero le proporcionan esa dureza y adherencia características de la goma.

Desde su lanzamiento al mercado se han convertido en una parte integral de las oficinas, hogares y, en algunas ocasiones, las mujeres las usan para amarrarse el cabello.

San Pedro va a un convento , reúne a las monjas en fila CHISTE

2010-08-05T11:42:00.000-07:00

San Pedro va a un convento, reúne a las monjas en fila y pregunta a la primera:
-Usted ¿ha tocado algún pene?
-Sí, con este dedito.
-Pues métalo en la pila bendita para que se le purifique.
A la segunda monja, la misma pregunta:
-Sí, con esta manita.
-Pues métala en la pila bendita.
La monja situada en cuarto lugar se adelanta un puesto y San Pedro le pregunta:
-¿Por qué se cuela usted?
-Mire San Pedro; Si he de hacer gárgaras prefiero hacerlas antes de que Sor María meta el culo.

Jaimito le pregunta a su papa ¿papa q haces?

2010-08-05T11:39:00.000-07:00

Jaimito le pregunta a su papa ¿papa q haces?
-pues es muy facil hijo, mira:
1 entro en la habitacion, 2 ella entra, 3 me desnudo, 4 se desnuda, 5 se la meto, 6 se la saco, 7 me visto, 8 se viste, 9 me salgo, 10 se sale.
jaimito al dia siguiente trae una amiga a casa y su padre oye 1 2 3 4 5 6 5 6 5 6 5 6 5 6..

CHISTE CÁMARA DE FOTOS

2010-07-07T05:32:00.000-07:00

CHISTE MUY GAY

2010-07-07T05:27:00.000-07:00

COMIDA BAJA EN CALORIAS CHISTE

2010-07-07T05:23:00.000-07:00

CHISTE ATENCIÓN CARDIACA

2010-07-07T05:20:00.000-07:00

ABUELA CONTANDO CUENTO A NIÑO CHISTE

2010-07-07T05:17:00.000-07:00

CHISTE IKEA

2010-07-07T05:13:00.000-07:00

CHISTE CINE PAREJA

2010-07-07T05:10:00.000-07:00

CHISTE CD-ROM

2010-07-07T05:06:00.000-07:00

Chiste hackers

2010-07-07T05:03:00.000-07:00

Se asustó la vieja

2010-07-07T05:00:00.000-07:00

River chiste

2010-07-07T04:57:00.000-07:00

Conejo y zanahoria

2010-07-07T04:52:00.000-07:00

Quién tiene el peor trabajo?

2010-07-07T04:47:00.000-07:00

Reloj elefante del siglo XIII creado por Al-Jazari

2010-06-28T11:48:00.000-07:00

Considerado una auténtica obra de arte, este reloj elefante del siglo XIII creado por Al-Jazari. Éste fue el primer reloj de agua que utilizaba un complejo sistema mecánico para medir el tiempo, media 6 metros de altura.

Domenico di Tommaso Bigordi (Florencia 1449-1494) Ghirlandaio, retrato de una dama

2010-06-28T05:05:00.000-07:00

Domenico di Tommaso Bigordi (Florencia 1449-1494) nació el mismo día que Lorenzo Médicis, el Magnífico, y recibió el apelativo de Ghirlandaio por haber diseñado las coronas que a las florentinas les gustaba llevar prendidas del cabello. Junto con Sandro Boticelli, unos años mayor que él, encarna el ideal de belleza y el refinamiento artístico en la pintura en la segunda mitad del Quattrocento. Su retrato de Giovanna Tornabuoni es el centro de una de las grandes exposiciones del verano, Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia, que se puede ver en el Museo Thyssen de Madrid hasta el próximo 10 de octubre.

La exposición ha sido calificada por el director artístico del museo, Guillermo Solana, como la más completa en torno al prodigioso retratista florentino. Reúne 60 obras que giran alrededor del retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni (1489-1490) y es una buena ocasión para comprobar cómo los talleres florentinos del Quattrocento renovaron el género del retrato y abarcaron escenas clásicas como el amor y el matrimonio, así como pasajes de la Biblia. La pintura de Giovanna Tornabuoni que El Ghirlandaio realizó a título póstumo por encargo del joven viudo hijo del responsable de la banca Médicis en Roma y gran mecenas de las artes en su ciudad natal, Florencia, fue adquirida por el Barón Thyssen en 1935 y está considerada «la joya entre las joyas» de su colección particular.

La joven que habitualmente representa con su imagen la colección de pintura de maestros antiguos del museo madrileño es fruto de la pasión de un hombre enamorado, Lorenzo Tornabuoni, heredero del banquero, y del virtuosismo de Ghirlandaio, que supo definir la belleza de la modelo, la serenidad y devoción como esposa fallecida prematuramente a los diecinueve años después de una de las bodas más sonadas en la Florencia de los Médicis y de quedar embarazada de su segundo hijo. El suegro de Giovanna le había encomendado a Ghirlandaio la decoración de la capilla mayor de Santa Maria Novella, en cuyos frescos ordenó que figurasen para la eternidad los miembros de su familia, entre ellos la joven malograda. Del mural sobrevino la tabla pintada que decoró las estancias del conmovido esposo en el palacio familiar y que finalmente acabó adquiriendo el Barón.

La tabla de Giovanna es el único retrato femenino del siglo XV del que se conoce su ubicación original. La exposición del Thyssen propone un recorrido didáctico para desentrañar el enigma del cuadro. Así, la muestra reúne pinturas, esculturas, dibujos, manuscritos, libros de horas y medallas de bronce, principalmente, que guardaba Giovanna en el palacio Tornabuoni. Se suman, además, las obras de pintores renombrados: Botticelli, Verrocchio, en cuyo taller se formó Ghirlandaio, y Filippino Lippi, entre otros. El combate entre el Amor y la Castidad, de Gherardo di Fiovanni del Fora, y La Anunciación, de Biagio d'Antonio, son dos de los delicados cuadros que se pueden ver en la gran exposición madrileña hasta octubre.

Uno de los factores o mecanismos que operan en el llamado síndrome Stendhal, o de Florencia, está sin duda asociado íntimamente a la pintura de Ghirlandaio. La belleza invita a soñar en la Capilla Sassetti de la iglesia de la Santa Trinidad ante los frescos del artista florentino. Corresponden a seis episodios de la vida de San Francisco junto con algunos motivos clásicos, de 1485. Los tres episodios principales son: San Francisco recibiendo del Papa Honorio III la aprobación de la regla de su orden, La muerte y exequias de San Francisco y La resurrección por intercesión del santo de un niño de la familia Spini. El niño había muerto al caer desde una ventana. En el primero de ellos hay un retrato de Lorenzo de Médicis y en el tercero un autorretrato del pintor, que también figura en una de las obras de Santa María Novella y en La Adoración de los Magos en el Hospital de los Inocentes. La tabla de altar de esta capilla, La Adoración de los Pastores, se encuentra expuesta en la Galería de la Academia. Si van a Florencia no se lo pierdan.

El arte imita a la naturaleza y la naturaleza quiso, según Giorgio Vassari, que Ghirlandaio fuese pintor. La plaga de peste de 1494 se lo llevó en cinco días cuando sólo tenía cuarenta y cinco años. La desaparición prematura del gran retratista y muralista fue el último eslabón de una cadena trágica que se inició en 1492 con la muerte de Lorenzo el Magnífico en su villa de Careggi. Entonces, todo parecía perturbar la paz en la tierra y en el cielo. Las inundaciones, los terremotos, las plagas y las revoluciones siguieron a ese día funesto: Lorenzo Tornabuoni, detenido más tarde, fue decapitado; Girolamo Savonarola, quemado vivo; los aluviones africanos deshicieron fortunas y familias. El pintor dejó de existir junto con la sociedad que había retratado con sensibilidad y refinamiento. Y el Quattrocento dejó paso al Cinquecento.
LUIS M. ALONSO

Chistes gráficos :El iglú

2010-06-27T02:30:00.000-07:00

CHISTES GRÁFICOS : EL RELLENO

2010-06-27T02:28:00.000-07:00

CHISTES PENELOPE -PENE

2010-06-27T02:26:00.000-07:00

rán saca a la luz cuadros de Picasso, Miró y Monet

2010-06-23T05:48:00.000-07:00

La exhibición ''Obr'' recupera un centenar de obras menores de la pintura de los siglos XIX y XX
TEHERÁN, IRÁN Empujados al olvido, privados de la luz que los concibió, Picasso, Miró, Monet o Modigliani jamás intuyeron que un arrebato fanático condenaría a la oscuridad a algunos de sus lienzos.

Fue en un frío invierno de 1979, en pleno fervor revolucionario, cuando un grupo de voluntarios islámicos asaltó el museo de Arte Contemporáneo de Teherán, cuya colección está considerada como la mejor existente lejos de las fronteras de Estados Unidos y Europa.

Presos de la vorágine islamista, protestaban por la exhibición de cuadros inmorales como el desnudo "Woman III", de Willem de Kooning, que en su percepción atentaban contra la moral musulmana y representaban la perniciosa "occidentalización" que promovía la depuesta dinastía Pahlevi.

Preocupados, los empleados de la gran pinacoteca decidieron descolgar los cuadros y ponerlos a salvo en los sótanos, apenas dos años después de que la colección fuera inaugurada.

Tres décadas después, una mínima parte de los Picasso, Chagall, Van Gogh, Pisarro, Warhol o Diego Rivera coleccionados por Farah Diba, esposa del último Sha de Persia, han sido liberados de aquella fría caja de seguridad transformada con el tiempo en mazmorra.

Bajo el título "Obr", la exhibición recupera un centenar de obras menores de la pintura de los siglos XIX y XX, que la última reina de Irán compró con el objetivo de promover el arte en el país.

Algunas de las obras ya recuperaron la luz el pasado año, en una primera exposición titulada "Obras Maestras de los Grandes Artistas del Mundo".

El objetivo este año es algo más ambicioso."La intención es que se convierta en una exposición permanente", explica Payam Parishanzadeh, representante del departamento Internacional del museo.

"El problema radica en la dificultad de mantener en buen estado obras tan importantes", explica.
Farah Diba era una amante del arte. Pintores, escultores, artistas en general recuerdan como prósperos los tiempos de la emperatriz persa.

Su ambición pictórica le llevó a recorrer Europa y Estados Unidos en busca de obras de los mejores artistas de los siglos XIX y XX.

Dos años antes de que estallara la revolución, logró uno de su sueños: inaugurar el Museo de Arte Contemporáneo de Irán.

Un edificio ubicado en uno de los parques más bellos del centro de la ciudad, construido por el arquitecto iraní Kamran Diba con elementos de la arquitectura tradicional persa y que recuerda de forma vaga al Museo Guggenheim de Nueva York.

Por segundo año consecutivo, recupera el uso para el que fue concebido.Enroscada en su espiral concepción interior, la muestra presenta un amplio recorrido por la pintura moderna, desde el impresionismo de Pisarro al cubismo de Picasso, el arte abstracto de Kandinsky, el modernismo de Chagall, el surrealismo de Miró o el arte pop de Warhol.

En esta nueva edición ha salido a la luz obras como "Suicide (Purple Jumping Man)", de Warhol, "Tensions Claires", de Wasily Kandinsky, o "Oiseaux de Grottes", de Joan Miró.

También ha vuelto a las oscuras salas del museo "Siena, Orange, and Black on Dark Brown", de Mark Rothko, junto al arte pop de artistas Robert Cottingham.

Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Pisarro o Monet dan la bienvenida a una exposición que deja con un amargo sabor de boca.

Ante la vista de los lienzos, el visitante siente nostalgia de aquello que según los expertos, aún permanece oculto en la que se considera la mayor y más importante pinacoteca de Oriente Medio.

Un sótano de sospechas en el que según registros no oficiales, podrían penar tesoros como el mejor cuadro de Jackson Pollock conservado fuera de Estados Unidos.

Tímida bajo su velo azul, Farzaneh, una joven estudiante de arte de 28 años, lanza un suspiro de esperanza: "solo nos falta esperar a que las sombras algún día se disipen".

Joan Miró Los mitos del Mediterráneo

2010-06-22T14:17:00.000-07:00

El BLU Palacio de Arte y Cultura de Pisa (centro de Italia) dedicará el próximo otoño una muestra a Joan Miró en la que se tomará el Mediterráneo y la influencia que éste tuvo en el artista catalán como punto de referencia.

El evento, que llevará por título Joan Miró. I miti del Mediterraneo (Joan Miró. Los mitos del Mediterráneo), fue presentada en Roma por el embajador de España en Italia, Luis Calvo Merino. En el acto también participaron el presidente de la Fundación Cassa di Risparmio di Pisa, Cosimo Bracci Torsi, y una de las comisarias de la muestra, Claudia Beltramo Ceppi.
ROMA, (EUROPA PRESS/Gloria Moreno)

La exposición se abrirá al público el 8 de octubre y se podrá visitar hasta el 23 de enero de 2011. En ella se podrán contemplar un total de 110 obras de Miró, entre pinturas, esculturas, litografías, dibujos e ilustraciones.

LA POESÍA DE MIRÓ

Uno de los aspectos que enlazará las distintas secciones es "la poesía que esconden todas las obras de Miró", explicó Beltramo, destacando el papel que tanto el mito como la poética tuvieron en la creación artística del pintor catalán.

"Para poder expresar la complejidad de la realidad, Miró siente la necesidad, que para él es vital, de exceder los límites de su arte e ir más allá de la pintura a través del poder transformador de la poesía y del mito", señaló la experta.

Otro de los puntos en los que la muestra hace hincapié es la influencia que tuvo el Mediterráneo en la obra del artista, que encontró gran parte de su inspiración en la naturaleza y los paisajes típicos del Mare Nostrum. Así, "sus motivos preferidos fueron insectos, caracoles y serpientes, además de la figura de la mujer como símbolo de la Madre Naturaleza".

La exposición se abrirá con algunas obras dedicadas al mito de Dafne y Cloe y al del Minotauro. El primero refleja la "exaltación" que el artista hizo "de su tierra y de la fuerza que tiene el hombre cuando está en comunión con ella". El segundo, en cambio, evoca la tragedia de la Guerra Civil, un periodo que Miró interiorizó a través de "sueños, signos, personajes y colores", detalló Beltramo.

Otra parte estará dedicada a las ilustraciones relacionadas con las Costellations de André Breton, en las que se ejemplifica el modo en que la creación artística de Miró se conjuga con la poesía.

Esta exposición monográfica sobre Miró será la segunda del ciclo sobre la influencia del Mediterráneo en los principales artistas del siglo XX que está realizando el BLU Palacio de Arte y Cultura de Pisa.

El misterioso bautizo de Joaquín Sorolla

2010-06-21T10:00:00.000-07:00

Era verano de 1900. Joaquín Sorolla estaba en el apogeo de su carrera. Acababa de recibir en la Exposición Universal de París celebrada en abril (un gran acontecimiento de masas para la época: recibió más de 50 millones de visitantes) el premio más codiciado, el Grand Prix. Fue Claude Monet el elegido para entregarle el galardón y, ante todos los impresionistas del momento, lo santificó: "Es el maestro de la luz". El Gobierno francés no quiso perder la oportunidad de tenerle entre los suyos y adquirió La vuelta de la pesca que se exhibe en la actualidad en el Museo D'Orsay.

El coleccionista español Alejandro de Anitua no tuvo ninguna duda en quién era el pintor que debía sumarse a su larga lista de artistas favoritos. Y le encargó una obra. En este punto surgen algunas dudas: no se sabe si el cliente le pidió un cuadro de tema religioso, sin más concreción (la hipótesis más probable a partir de los pocos datos de que se disponen) o le solicitó ex profeso esa ceremonia. El resultado es El bautizo, una obra magnífica y atípica en la trayectoria del artista valenciano. La obra, que ha permanecido hasta hoy con la familia del coleccionista, jamás se había prestado ni exhibido. Sólo se refleja en el catálogo, La vida y obra de Joaquín Sorolla, de Bernardino de Pantorba, uno de los principales biógrafos del pintor. Por primera vez ahora, cuando sus propietarios han decidio venderla, se ha expuesto al público. En Madrid puede contemplarse hoy (Fundación Pons, calle de Serrano 138 de 11.00 a 19.00. Entrada gratuita) antes de que sea subastado el próximo día 2 de junio en Sotheby's en Londres junto a otras pinturas europeas de los siglos XIX y XX.

Pero, sin duda, El bautizo será una de las estrellas de la puja, aseguran en la casa de subastas. Su precio de salida está entre 790.000 y 1.130.000 euros. Una cifra muy alejada de lo que pagó entonces el coleccionista, 10.000 pesetas, aunque para principios del siglo XX no estaba nada mal. Lo valía. Además de que Joaquín Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923 ) era el pintor más solicitado del momento, el encargo era especial por varios motivos, según explica Marta Enrile, experta en pintura española de los siglos XIX y XX de Sotheby's.

Para empezar, salvo en El beso de la reliquia (Museo de Bellas Artes de Bilbao) y algún otro, no solía acudir a temas religiosos. Pero a Sorolla, un artista "prolífico, muy realista y atento al mercado", no le importó alejarse de los temas en los que estaba centrado, exteriores y escenas de playa. Luego está su originalísima composición con reminiscencias de Las Meninas, o como homenaje a Velázquez, maestro al que Sorolla veneraba en sus frecuentes visitas al Prado. "En ambas obras la luz entra por el fondo al descubrir uno de los personajes el cortinón". La experta también subraya en el detalle ("muy osado") del banco en primera fila una marcada influencia de la fotografía. El pintor pronto huérfano trabajó con el fotógrafo Juan Antonio García Peris, que luego sería su suegro.

Por último, en la composición de El bautizo, Sorolla se muestra decidido sobre qué quiere destacar (y qué no). Mientras que el altar apenas se sugiere, los personajes en toda la escala social son sus preferidos. Sobre todo, Clotilde, su mujer, ataviada con exquisitas sedas verdes. Sin duda, de Valencia, famosa por la industria de la sedería. Sorolla regresa así a la tierra que le vio nacer.

Retratos de la mitad de Costus, Juan Carrero y Enrique Naya

2010-06-21T05:55:00.000-07:00

Fueron uno para el otro. Unidos por el arte. Hasta la muerte. El dúo artístico Costus, Juan Carrero y Enrique Naya, se constituyó en los años ochenta como un referente de la movida, cuando la creatividad desbordante de esa etapa de Madrid encontró en la casa que ambos compartían en una sede oficial para desarrollarse. Murieron el mismo año, en 1989, y sus obras, repartidas en museos de toda España, aparecen indisolublemente vinculadas a ese movimiento. Ahora una parte de Costus, Juan Carrero, vuelve en solitario a Cádiz. Una muestra reúne rostros y figuras creadas baja la firma única del cincuenta por ciento del dúo.

Hacía 13 años que una obra de Carrero no se exhibía en la galería Benot. Más de una década ha habido que aguardar para poder disfrutar de algunas de estas piezas. Hay 12 acrílicos sobre papel y otro ocho sobre lienzo que ha seleccionado su hermano Ricardo entre la abundante obra que custodia. Estas obras han salido a la venta. Lo estarán hasta el 19 de julio cuando se cierre la muestra.

Hay máscaras, rostros de inspiración mexicana, trazos expresionistas. Los críticos sitúan a Carrero en su labor solitaria cerca de las vanguardias del siglo XX, herencia del movimiento Die Brücken, y testigos de una época de absorción de todo tipo de influencias pop y naif. Hay un esbozo de una enorme planta de gruesos tallos, relucientes hojas verdes y flores rojas. Hay un bananero. O las representaciones de varios útiles de cocina. Todas ellas firmadas como Juan Costus.

La anterior muestra que llegó a Benot fue Viaje a Egipto, donde se presentaron dibujos en acrílico. Esas obras fueron sacadas en 1997 de un cuaderno de viaje con cuadros inspirados en dioses, templos y escenas del país del Nilo. Fue el mismo año en que la familia Carrero donó al Museo de Cádiz un cuadro inacabado perteneciente a su serie andaluza. Fue el cuadro en el que Juan y Enrique trabajaron juntos hasta que les fallaron las fuerzas y ya no lo pudieron terminar.

Lo cierto es que la exposición se ha abierto en Cádiz cuando Costus sigue de plena actualidad por la extraña desaparición, todavía sin aclarar, de uno de sus cuadros, Los mojosos. El paradero de este encargo sobre el mundo del carnaval gaditano sigue siendo una incógnita tres años después de la primera denuncia sobre su desaparición. El Ayuntamiento de Cádiz, titular de la obra en el momento de su pérdida, asegura haber abierto una investigación, cuyo desarrollo o resultado nunca se ha hecho público.

La exposición de Juan Carrero se complementa con otras dos de Enrique Naya. Ricardo, el hermano de Juan, dice que las ha incluido por si algún coleccionista quiere llevarse piezas de ambos. Para que también sus trabajos sigan juntos muchos años más.
PEDRO ESPINOSA - Cádiz -

Caravaggio: ¿hallazgo o turismo?

2010-06-21T05:43:00.000-07:00

El monumento a Caravaggio en Porto Ercole (Toscana) es un abigarrado conjunto escultórico de hierro forjado. Contiene una espada enorme, los barrotes de una celda, una cruz de Malta, una manta extendida en el suelo, y en una esquina un monolito de piedra que no se sabe qué hace ahí. No resulta fácil encontrarle un atractivo. Pero la pieza tiene su sentido: está situada sobre la fosa común donde en 1956 fueron hallados unos huesos humanos que ahora, tras un año de investigación histórica combinada con pruebas de ADN y de carbono 14, parecen haber resuelto por fin un enigma de 400 años de edad.

Nadie sabía hasta ahora cómo murió y dónde fue enterrado el tahúr, asesino y pendenciero genio del claroscuro (Milán, 1571-1610). El desconocido historiador local de Porto Ercole, Alessandro Ferrini, un jubilado encantador que lleva años persiguiendo el rastro del pintor, tenía una teoría. Y seguramente es el que más se ha acercado a la verdad.

Las pesquisas de este hombre modesto, ex capitán de la marina mercante que se define como "historiador diletante", dieron al equipo científico coordinado por el Indiana Jones italiano, Silvano Vinceti, una base sólida para investigar.

"Gracias a él pudimos encontrar el fémur, el trozo de cráneo, la mandíbula y el trozo de calavera y confirmar tras realizar todas las pruebas científicas que pertenecían a Caravaggio", explica Vinceti, que ha dirigido a un grupo de genetistas y antropólogos por cuenta del Ministerio de Turismo italiano.

Porto Ercole es un lugar con historia : este pequeño puerto natural fue plaza militar española durante más de dos siglos. Hoy viven aquí 3.200 personas y en sus muelles atracan más de 1.000 yates y veleros. Solo hay un par de hoteles, pero harán falta más si se queda finalmente aquí la reliquia de Caravaggio. De momento, el 3 de julio habrá una exposición temporal.

Mientras paseamos por la calle Caravaggio, Ferrini va contando los detalles de la historia. "La iglesia de San Sebastián estaba justo en este punto", dice señalando a la lavandería cercana al monumento. "Un día encontré en el archivo diocesano una carta del obispo fechada en 1629 que ordenaba al párroco que sacaran los huesos de la iglesia y los pusieran en una fosa común. Ahí encontramos los huesos".

Su hipótesis sobre los últimos días de Caravaggio daría para una gran novela. "Yo creo que murió en el fuerte español de San Filippo tras un par de días de agonía. En 1555, los españoles y los florentinos ocuparon el pueblo. Esto era como Gibraltar, estaba lleno de espías y las barcas que iban de Nápoles a Génova paraban siempre aquí. El lunes 12 de julio de 1610 había tomado un velero en Nápoles. Iba cargado con sus cosas y sus cuadros", explica. "Iba a Roma, donde esperaba que el Papa le indultara de su condena a muerte. Los últimos cuadros que había pintado en Nápoles, dos de san Juan y una Magdalena, eran el pago del indulto".

Pero Caravaggio no llegó a Roma. "La primera parada desde Nápoles era Palo. Al llegar, Caravaggio fue arrestado y pasó dos días en la cárcel. Los cuadros se quedaron a bordo. Pagó su libertad al carcelero. Al salir, pensando que el velero habría seguido ruta hacia el norte, fue andando a Civitavecchia, y luego en barca hasta Porto Ercole. Debió bajar en una playa cercana. Los guardias españoles lo encontraron y le llevaron al fuerte al ver que se trataba de un artista famoso y además Caballero del Rey español. Estaba muy enfermo, hacía mucho calor, y el día 18 murió. Probablemente de septicemia, a causa de la puñalada que recibió en la cara unas semanas antes".

Los marineros no fueron al norte. Volvieron a Nápoles con los cuadros y se los entregaron a la marquesa Sforza Colonna. No hay pruebas del desembarco de Caravaggio en Porto Ercole, su nombre no apareció en el registro de defunciones. "Los españoles siempre anotaban todo, es muy raro que no lo hicieran", admite Ferrini. "La razón es que no quisieron decir que había muerto porque esperaban encontrar los cuadros en secreto".

¿Sucedería así? ¿Serán ese fémur y ese cráneo de Caravaggio? Silvano Vinceti tiene la "certeza absoluta". Sus científicos, un 85%. Claudio Strinatti, historiador del arte del Ministerio de Cultura e impulsor de la maravillosa exposición que han visto 580.000 personas en Roma, cree que es "conmovedor que en el 400º aniversario de su muerte el destino nos haya acercado a su cuerpo".

Habrá gente que dude. La pasión por Caravaggio es universal, 400 años son muchos y vendrán nuevas teorías. La penúltima es del historiador inglés Graham Dixon. Su nuevo libro, que se publica ahora en Reino Unido, asegura que el pintor fue un proxeneta competente y que mató a Ranuccio Tommasoni, otro chulo de mujeres, no por haber perdido un partido de pelota sino en un duelo de doble honor: por un asunto de cuernos y por otro de celos profesionales.
MIGUEL MORA - Roma -

Inventan una lavadora para aves con chapapote

2010-06-21T05:21:00.000-07:00

La tragedia medioambiental provocada tras el escape de petróleo de una plataforma petrolera hundida en el Golfo de México está dando alas a toda clase de inventos ideados para tratar de paliar el desastre. Dos son especialmente sorprendentes.

El primero lo promueve un peluquero de Alabama llamado Phill McCrory, tras darse cuenta de que los pelos aceitosos de su peluquería eran un material eficiente y abundante para recoger y contener parte de los vertidos de crudo que cada año hay por los mares de todo el mundo. La organización Matter of Trust, ubicada en San Francisco, apoya su idea y ha lanzado una campaña para gestionar la recogida, el almacenaje y el envío de pelo y otras fibras que se compactan en una especie de colchonetas absorbentes.

El segundo lo promueve una compañía petrolera europea y resulta increíble. Han inventado una lavadora de pájaros que logra limpiarles el chapapote del plumaje en tan sólo 7 minutos. Tener el plumaje manchado de petróleo no es tan sólo un problema estético. El que no les deje volar tampoco resulta lo peor. El chapapote les asfixia, intoxica e inmoviliza, les mata de frío al inutilizar su extraordinario sistema aislante; también les estresa, aunque menos que el laborioso y poco fructífero trabajo de los voluntarios tratándolo de retirar con agua y disolventes.

Como podéis ver en el siguiente vídeo, las aves se meten en la peculiar lavadora con la cabeza fuera y cubierta para reducirles el estrés, mientras el resto del cuerpo es sometido a una profunda limpieza. La petrolera también ha desarrollado un champú que retira el petróleo de las plumas sin eliminar los aceites naturales, lo que aumenta el grado de supervivencia de los animales. Una iniciativa interesante, aunque me temo insuficiente para atender a las decenas de miles de aves que sin duda van a verse afectadas por este gigantesco derrame de petróleo.

Joan Miró (1893-1983) vuelve a Ámsterdam, Rijksmuseum

2010-06-21T04:37:00.000-07:00

El museo holandés confronta los tres 'Interiores' del pintor con las obras del XVII que los inspiraron - Proceden del Metropolitan, MoMA y Guggenheim de Venecia

Joan Miró (1893-1983) vuelve a Ámsterdam, en una suerte de eterno retorno al lugar de su inspiración. Paradójicamente, entre sus colegas de cabecera figuraron dos maestros holandeses del Siglo de Oro: se llamaban Jan Steen y Hendrick Sorgh y su especialidad era el costumbrismo de precisión fotográfica.

A mediados del siglo XVII, convirtieron en éxito de ventas las escenas cotidianas de los hogares holandeses. Sus cuadros de bailes, banquetes de boda y serenatas caseras atrajeron de tal modo a Miró que les dedicó tres de sus obras. Estos lienzos, denominados Interiores holandeses, sus bocetos y los originales clásicos que los inspiraron se han reunido por primera vez en una muestra organizada por el Rijksmuseum de Ámsterdam hasta el próximo 13 de septiembre.

Miró viajó en 1928 a la capital holandesa para contemplar las obras de Vermeer y de sus contemporáneos. El autor de La chica de la perla le emocionó, pero no así la quietud del resto de su obra. "Eran imágenes maravillosas, pero faltas de movimiento", según Panda de Haan, conservadora de la muestra, titulada Miró y Jan Steen.

Los que sí le hicieron vibrar por sus escenas alegres con gente, música, gatos y perros fueron Steen y Sorgh. De su mano, Miró penetró en la intimidad doméstica de los Países Bajos en un momento dulce, tras la paz con España por la Guerra de Flandes. Para Miró, fue una visita muy emotiva porque estaba enamorado. Además de aprender, quería obsequiar con sus trabajos a Pilar Juncosa, su futura esposa.

Así que admiró los lienzos holandeses, compró postales e inició una laboriosa recreación en tres telas que acabó titulando Interiores holandeses I, II y III. Tomó Músico tocando el laúd (1661), de Sorgh, como punto de partida, y sometió el primero de sus Interiores a un intenso proceso de simplificación. El lienzo holandés recrea un instante del idilio entre un varón y su dama junto a la ventana. El tipo de composición se repite de Vermeer a Rembrandt durante el Siglo de Oro. La falta de luz natural era proverbial en los hogares holandeses, y las ventanas a la calle daban mucho juego. En el cuadro de Miró todo cambia. La cabeza del músico aparece dentro de un halo blanco. El bigote flota y alrededor del nuevo personaje todo baila. Un gato mira al espectador y un perro se fuma una pipa. "En el extremo derecho dibuja la huella del pie para decir que estuvo allí y vio los originales. La firma auténtica está detrás. El pie destaca asimismo en los bocetos, de los que parte se guardan en la Fundación Miró, de Barcelona", recuerda la conservadora.

El Interior II surge de La clase de baile (a un gato) (1660), de Steen. Aquí Miró distorsiona aún más los personajes y añade detalles. Donde el holandés pone niños tocando y riendo con el felino, que está sobre una mesa, él planta un gran rostro sin cuerpo. La niña, única figura femenina, lleva una falda azul. Miró la usa como fondo para colocar objetos sobre ella. Y un anciano barbudo que mira por un ventanuco, da paso a una araña.

Vistos juntos en el museo, con el Interior I a la izquierda, el segundo a la derecha, y el tercero y más grande en el centro, parece un tríptico. Es como si un guitarrista tocara para su doncella en un espacio lleno de animales domésticos y objetos variados. "Hasta se permitió un juego con el Interior III".

Intrigada por una nota a pie de página sobre Interior III, la conservadora del Rijksmuseum llamó al Museo Metropolitan de Nueva York, que lo guarda en su colección (los otros dos están en el MOMA de Nueva York y en la colección Peggy Guggenheim, de Venecia). "Por fin sabemos que fue la suma de los otros dos, sin modelo holandés colgado en la pared", dice. Fue un homenaje al pasado para poder regresar al depurado futuro de su mundo expresivo.
Dos españoles en las tripas del nuevo 'Rijks'

Las obras de remodelación del Rijksmuseum van a buen ritmo y el museo, uno de los más importantes de Europa, abrirá de nuevo al público en 2013. Las grúas operan sin descanso en el corazón de Ámsterdam, y han terminado casi las labores de excavación y drenaje del subsuelo. Los nuevos subterráneos de la sala están bajo el nivel del mar, y buzos especializados han comprobado de forma periódica el estado de las inyecciones de hormigón. Sin embargo, el proyecto lleva 12 años abierto y ha sufrido retrasos inesperados. Sus arquitectos, los españoles Antonio Cruz y Antonio Ortiz, no pensaron que el tráfico de bicicletas por el arco exterior del museo fuera a complicar el resultado final de su diseño.

"Cuando acabas una obra es como si te amputaran un miembro. Lo vives tan a fondo que luego, al regresar, hasta pareces un intruso. En este caso, además, el museo original era un proyecto casi wagneriano, en el sentido de obra total. Unía la ciudad vieja y la nueva. Luego fue faltando espacio, se levantaron pisos en lugares indebidos. Ha sido un centro maltratado, aunque nada hacía pensar que acabáramos chocando con los ciclistas", dice Antonio Ortiz. Tras muchas disputas, el acceso final para el público se abrirá a ambos lados del ya famoso pasaje. Las bicicletas mantendrán el uso exclusivo del centro, "y todo se unirá por debajo, con un gran sótano que resuelva los problemas de un museo actual", dice Ortiz.

"Las grandes salas mundiales se han quedado pequeñas, por eso hemos sacado del Rijksmuseum todas las oficinas y talleres ajenos a las exposiciones", dice Ortiz, y añade: "En Holanda se trabaja con gran precisión y una agenda clara. Nos han llegado a preguntar hasta el color de la piedra de las escaleras interiores". Ortiz cifra en unas 500 personas el equipo que renueva el museo.
ISABEL FERRER - Ámsterdam

INVENTOS DEL TBO

2010-06-16T09:57:00.000-07:00

ALBERT CANO Durante los años 40-60, triunfó entre los jóvenes españoles una historieta semanal, el TBO. Muy celebrada era una sección humorística, la del profesor Franz de Copenhague, donde se describían inventos complejos... de finalidad intrascendente. Y ésa es la sensación que le entra a uno cuando oye los últimos mantras de políticos, economistas y sindicalistas para sacarnos de la crisis.

El dominante ahora es el de la reforma laboral (esa que decretará Zapatero, porque le obligan desde Berlín). El problema es que todo el mundo sabe que no se crea empleo por decreto. Y, en España, aún menos: si el tejido productivo se basa en construcción (parada, por bastantes años), turismo (gripado, por crisis y erupciones volcánicas) y venta de coches (veremos qué pasa a partir de julio, cuando acaben las ayudas), la cosa se pone difícil.

La otra letanía es que saldremos de la crisis si exportamos. Pero, vender ¿qué y a quién? Porque, ¿tenemos la base industrial alemana o japonesa, con una gama productiva de alto valor añadido? ¿O podemos competir vía ajuste de costes, con países como la República Checa o Marruecos, cuyos trabajadores industriales o turísticos cobran mucho menos que sus homólogos españoles?

Aunque se comprendan los esfuerzos para no aumentar el pesimismo con globos sonda, debería empezar a concienciarse a la gente de lo que se avecina, ante medidas como la anunciada por el gobierno catalán: el aplazamiento, hasta 30 días, del pago a hospitales concertados, por "tensiones temporales de tesorería". Según los responsables del consorcio sanitario en Cataluña, esas tensiones "no son coyunturales", por lo que deberíamos preguntarnos si "es posible mantener un Estado del bienestar como el consolidado durante estos años". La señora Merkel piensa que no.

WD-40, El spray de los mil usos’ entre los 100 mejores inventos de la humanidad

2010-06-16T02:34:00.000-07:00

WD-40 ha sido elegido como uno de los mejores inventos que ha realizado el hombre, según un estudio realizado mediante encuestas personales a 4.000 consumidores, por la cadena detallista Tesco, que han seleccionado las creaciones más relevantes de la historia.

En primer lugar, destacan la rueda, el avión, la bombilla e Internet, pero es significativa la valoración y relevancia del multiusos WD-40 que ya forma parte de los hogares como una herramienta imprescindible y no puede faltar en las viviendas, reconociendo así los consumidores sus características, cualidades y aplicaciones, por algo se le denomina ‘El spray de los mil usos’. En el ranking de esta encuesta recién publicada ocupa el puesto 79 por delante del rímel, el secador de pelo, Facebook o las escaleras mecánicas.

El nombre del producto es el acrónimo de su denominación: ‘Desplazador de Agua’ (W: water, D: displacement) y el número se debe a que fue la prueba número 40 la que dio con la fórmula que cumplía los requisitos más exigentes para cumplir su función contra el óxido y la corrosión, un nombre que es altamente popular en España y en otros países. “Este reconocimiento por parte del gran público, nos anima a estar más cerca de nuestros consumidores y clientes, ya que sin duda, WD-40 gracias a su gran versatilidad y eficacia permite ahorrar tiempo, dinero y esfuerzos a los profesionales y manitas de todo el mundo porque con WD-40 siempre descubrirás un nuevo uso.”, manifiesta Francisco Ortega, director de Marketing para España y Portugal.

Los 100 mejores inventos

1. Rueda 2. Avión 3. Bombilla 4. Internet 5. Ordenadores personales 6. Teléfono 7. Penicilina 8. iPhone 9. Servicios con agua 10. Motor de combustión 11. Píldora anticonceptiva 12. Lavadora 13. Calefacción central 14. Refrigerador 15. Duela a asesinos 16. Cueza al vapor el motor 17. Congelador 18. Cámara 19. Coches 20. Gafas 21. Teléfonos móviles 22. Papel higiénico 23. Aspiradora 24. Trenes 25. Google 26. Microondas 27. Correo electrónico 28. La pluma 29. Agua caliente 30. Zapato 31. Brújula 32. Ibuprofeno 33. Cepillo de dientes 34. Plancha de pelo 35. Ordenadores portátiles 36. Cuchillo y tenedor 37. Tijeras 38. El papel 39. Viajes espaciales 40. Caldera 41. Calculadora 42. Cama 43. Mando a distancia 44. Azotea 45. Aire acondicionado 46. Navegación por satélite 47. Wi-Fi 48. Visión nocturna 49. Cerillas 50. Dirección asistida 51. Secadora 52. Bicicleta 53. Sky + 54. Bolsas de té 55. Paraguas 56. iPod 57. Llaves 58. Casco protector 59. Reloj de pulsera 60. eBay 61. Lector de DVD 62. Pañales 63. Escala 64. Loción de bronceado de sol 65. Cortacéspedes 66. Maquillaje 67. Sillas 68. Gafas de sol 69. El juego de fútbol 70. Pan cortado 71. Sofá 72. Hojas de afeitar 73. Destornillador 74. Autopistas 75. Auriculares 76. Toallas 77. Sostén 78. Gemelos 79. WD-40 80. Rímel 81. Secador de pelo 82. Facebook 83. Escalera mecánica 84. Tinte de pelo 85. Botas de agua Wellington 86. Corrección ortográfica 87. Calendarios 88. Rallador de queso 89. Autobuses 90. Post-it 91. Guantes 92. Discos de satélite 93. Paso de peatones 94. El chupete 95. Cortinas 96. Abrebotellas 97. Licuadora 98. Recogedor y cepillo 99. Escritorios 100. Pinzas

Un castillo en la punta de España

2010-06-15T02:33:00.000-07:00

Pocos castillos pueden presumir de tener una fecha de nacimiento. El castillo de Guzmán el Bueno de Tarifa la tiene. Su natalidad está escrita en piedra de mármol con caracteres árabes. La fortaleza quedó concluida en el mes de safar del año 394 de la Hégira, es decir, en el mes de abril de 960. Su promotor fue el califa Abderramán III, el impulsor de la mezquita cordobesa y la ciudad palatina de Medina Azahara. Sus mil y pico años de edad hacen de la fortaleza tarifeña una de las más antiguas de Europa.

En manos árabes permaneció durante cuatro siglos. En agosto de 1292 los ejércitos del rey Sancho IV El Bravo toman la fortaleza. Dos años después se produce el acontecimiento que hace de Tarifa un lugar de incuestionable referencia histórica. En agosto de 1294 el castillo estaba cercado por las tropas de los benimerines africanos.
La amenaza

El infante Juan, enemigo de su hermano el rey Sancho IV, militaba en bando moro y había apresado a Pedro Alfonso, el primogénito de Alonso Pérez de Guzmán. El infante amenazó a Guzmán el Bueno con degollar a su hijo si no entregaba la plaza. Cuentan las crónicas que el noble alcaide contestó así: "No engendré yo hijo para que fuese contra mi tierra; antes engendré hijo a mi patria para que fuese contra todos los enemigos de ella. Y si no tienes cuchillo, ahí va el mío", pontificó. El resto de la historia es sobradamente conocida: El infante Juan, sin una brizna de misericordia, degolló al hijo de Guzmán el Bueno; el castillo no fue entregado, y los benimerines, a la mañana siguiente, levantaron el campamento y volvieron a Marruecos.
Las calles del Estrecho

El castillo de Tarifa controló durante más de mil años esa bulliciosa y agitada calle de agua que es el Estrecho de Gibraltar. Encaramado en una meseta rocosa de poca altura sus torreones tienen frente a sí la isla de las Palomas, y al otro lado del estrecho la costa africana. Diez siglos dan para muchas intervenciones arquitectónicas. Con todo, lo más curioso es que ninguna de ellas restó altanería y solidez a sus almenas, puertas, barbacanas y corachas.

El castillo más meridional de Europa no se construyó como palacio, sino como fortaleza militar. Sus alcaides experimentaron con los más sofisticados ingenios y aparatos de guerra. En su interior se conserva una réplica de un manganel, un extraño artilugio parecido a una catapulta que en jornadas de batalla arrojaba bolaños de hasta 150 kilos de peso.
Carolina Oubernell | Cádiz
Más información en www.cadizturismo.com .

El arte de Solana, en la Casa Natal

2010-06-15T02:27:00.000-07:00

Una personalidad excéntrica, estrafalaria, disparatada y un poco moderna a pesar suyo. El artista José Gutiérrez Solana (1886-1945) es una de las figuras singulares del arte español del XX. Pese a pertenecer a la Generación de 1914, la misma que Pablo Picasso, Ortega y Gasset y la Institución Libre de Enseñanza, que se afanó por establecer cambios en España y salir de la oscuridad en que se encontraba sumida desde finales del XIX, Gutiérrez Solana siempre quiso afianzarse en los postulados de la Generación del 98.

«Le gustaba la España profunda, negra, un país muy tremendo, pero esa realidad no existía y Gutiérrez Solana la inventaba. Quería ser un pintor muy a la antigua y a pesar suyo fue tremendamente moderno», explicó ayer el director general del Instituto de Cultura de Fundación Mapfre, Pablo Jiménez, en la presentación de la muestra que fue inaugurada ayer en la Fundación Picasso, Solana en las Colecciones Fundación Mapfre.
La exposición, que podrá visitarse hasta el 10 de octubre, está compuesta por seis óleos sobre lienzo, realizados entre 1917 y 1938, y una treintena de grabados, que ofrecen una visión del conjunto de la obra de Solana y resume las obsesiones y preocupaciones de uno de los artistas más significativos del arte español del XX. En estas piezas están presentes algunos de los temas que fascinaron siempre a Solana, como el espectáculo de los ritos religiosos callejeros, la muerte o el carnaval.
Son temas que desvelan semejanzas de planteamientos e iconografías con el expresionismo belga o la nueva objetividad alemana. «Solana hacía trampa; lo que nos cuenta no es verdad, se lo ha inventado», indicó Jiménez. Y es que «hacía una cosa muy moderna, inventarse el mundo de Solana, una forma de ver la realidad; se inventa un personaje, que es José Gutiérrez Solana, y adecua la realidad a lo que quiere ver ese personaje». Destaca la pieza Máscaras bailando, que sintetiza una gran parte de los valores de la pintura: «Este cuadro desmiente el tópico de Solana como pintor de lo negro, porque revela una exquisita sensibilidad cromática y una cuidada construcción visual».
La directora de la Casa Natal, Lourdes Moreno, dijo que el artista representa una marcada diferencia con lo que se hacía fuera de España por españoles. En este grupo de la Generación del 14, unos partían de la tradición española para llevarla «al extremo», mientras que otros rompían estos conceptos para crear algo diverso.

ALEJANDRA GUILLÉN. MÁLAGA.

Sigmar Polke (1941-2010), alquimista de la pintura

2010-06-14T05:48:00.000-07:00

NDM |

Sigmar Polke. Alicia en el País de las Maravillas, técnica mixta, 1983.

Si la desaparición de la gran escultora Louise Bourgeois, hace quince días, tuvo escasa resonancia, la de Sigmar Polke, el viernes último, luego de una larga batalla contra el cáncer, pasó casi inadvertida. Junto a Gerhard Richter, amigo y compinche en la aventura renovadora del arte alemán, pero de carácter más reservado y menos afecto a la publicidad, compareció por última vez en la 52ª Bienal de Venecia de 2007, con enormes y suntuosos cuadros de apabullante virtuosismo. No tuvo la proyección internacional de Richter, aunque su talento era del mismo calibre.
Nacido en Silesia, actual teritorio polaco, murió en Colonia, donde residía. Antes, estudió con los pintores informalistas Karl Otto Goetz y Gerhard Hoehme; luego en la Academia de Arte de Düsseldorf, donde predicaba el enorme Joseph Beuys, quien evitó que se integrara al pop-art, una tendencia que arrasó en los años sesenta y setenta los circuitos alemanes. Fundador del "realismo capitalista" (Kapitalistischen Realismus), con Richter en respuesta al "realismo socialista" del sector comunista pero también al invasor consumismo de la estética estadounidense, Polke, personalidad inclasificable, ajeno al mundanal ruido, con intereses diversificados entre el grabado, la fotografía, el film, el video, a partir de los ochenta detiene su atención en la pintura. Nada de la pintura tradicional, por cierto. Comenzó a investigar en el soporte de tejido acrílico translúcido sobre cuya superficie extendía sustancias minerales preciosas y pigmentos tóxicos, fotoquímicos, que cambian de color según la humedad ambiente o ante la presencia del calor del cuerpo humano. Cuadros con vida propia, afirmó Polke, producto de sus numerosos viajes por el mundo (México, Australia, Pakistán y Afganistán en 1974). Con una grave miopía de nacimiento, lejos de ser una limitación, Polke la utilizó para potenciar las posibilidades de la percepción al emplear como soporte papeles pintados, cortinas de baño, manteles y otros, para crear una trama de riquísimas resonancias ópticas, elementos figurativos y abstractos, alusiones burlescas y políticas del arte de ayer y de hoy y de las ideologías, un talante propio del dadaísmo del cual extrajo su veta tremendamente experimental, inconformista y corrosiva.

Recibió importantes premios: León de Oro en la Bienal de Venecia, Premio Imperial de Japón, Fundación Rosentha Haftmann, en Suiza, el mes pasado.

Vazandu «La pintura se expone, el pintor no; el público me aturde un poco»

2010-06-14T04:58:00.000-07:00

El mejor lugar para entrevistar a Vazandu es su estudio de pintura. No porque allí se vaya a sentir más a gusto (que, por supuesto, así es), sino porque, por probabilidad, es donde es más fácil encontrarlo. Con 91 años, sigue yendo cada día a manchar lienzos con su pincel para obtener preciosos resultados. La calma de sus clásicos paisajes rurales está intrincada en su forma de ser. Cuando habla de pintura eso no cambia, pero sus ojos se llenan de otra chispa.
- Cómo y cuándo supo de su designación para el Saludo Oficial de Fiestas?
- Me habían dicho que me iban a llamar del Ayuntamiento. A los días me llamó la secretaria del alcalde y me dijo que me iba a pasar con él y yo decía, qué querrá. Cuando me propuso lo del saludo, me hizo mucha ilusión y le dije que sí, que aceptaba, por supuesto. Luego empecé a pensar qué iba a decir y me empecé a poner nervioso.

- Es que este año, con la que está cayendo, es un reto animar a la gente a que se divierta.
- Más que eso, lo que me aturde un poco es el público. No estoy acostumbrado a hablar delante de mucha gente.
- La actividad de pintor es bastante íntima.
- Sí, porque las pinturas se exponen, pero el pintor no. Alguna vez me ha tocado hablar en alguna exposición, pero esto es diferente.
- ¿Se parecen los sanmarciales de hoy en día a los que vivió usted antes de la guerra?
- Las fiestas entonces eran muy animadas. Había menos gente y se hacían menos cosas que ahora, pero eran igual de animadas, especialmente con todo lo que giraba en torno al Alarde. Alternar, se alternaba igual. O más. Porque la gente salía a chiquitear todo el día por la plaza de Urdanibia. Lo que es verdad es que era más íntimo, porque todo el mundo se conocía.
- Es que aquel Irun era muy diferente, mucho más pequeño.
- Yo vivía en Behobia y venía a Irun a la escuela de Biteri. Era una ciudad muy calmada, muy distinta. Dejabas la cesta con el dinero en el portal para ir a por el pan y no pasaba nada. Ahora es una ciudad grande, con mucha gente muy diferente. Hace dos días, pasé por la calle Aduana y había, a la derecha, un grupo de seis negros; a la izquierda, dos chinos limpiando el escaparate. Y subían dos parejas colombianas con sus hijos. En 1930 sólo conocíamos un negro, la figura de un escaparate donostiarra que anunciaba el café. Ahora, ésta es una ciudad muy distinta, no digo mejor ni peor; distinta.
- Aunque vivía en Irun, comenzó a trabajar en Hendaya, en una profesión que quizá era la que más se podía parecer a la pintura.
- De niño, siempre estaba dibujando con cualquier lápiz y lo que tuviera delante, hasta cajas de cerillas. Siempre iba al despacho de mi padre a manchar trozos de papel. Allí, con 13 años, conocí al dueño de Maumegean, una empresa de vidrieras de Hendaya y empecé a trabajar. Era una empresa fabulosa, con sucursales en París, Madrid, San Sebastián... Pero la central era ésta. Tenían dos pintores judíos alemanes que eran buenísimos, y muchos emplomadores españoles. Ahora, soy el único que queda de todos los que trabajaron allí.
- Años después, con la jubilación, se puso a pintar más que nunca.
- Es lo que me gusta. Habré pintado más de 4.000 cuadros. Casi siempre al óleo, casi siempre paisajes, muchos de ellos caseríos, pero también retratos, flores, bodegones, con plumilla, pastel... También cientos de garrafones, que son más difíciles que los cuadros, pero me encantan. Sobre todo hay dos cosas que me gusta pintar: el agua, en cualquier forma (ríos, mar, charcas, cascadas); y el cielo, que siempre intento hacerlo distinto en cada cuadro. Pero al final, me da igual el objeto, el estilo, el motivo, lo que me gusta es pintar. Pintar.
- Tanto que con casi 91 años y después de tanto trabajo, sigue viniendo aquí cada día.
- Claro. Sigo pintando porque sigue siendo lo que más me gusta hacer.

IÑIGO MORONDO | IRUN.

"Sueño de Felicidad", exposición de Matisse en una galería londinense

2010-06-14T04:43:00.000-07:00

Londres, (EFE).- "Sueño de Felicidad" es el título que la galería Helly Nahmad de Londres ha dado a una deliciosa exposición que reúne pinturas y esculturas de Henri Matisse, junto a Picasso una de las grandes figuras del arte del siglo XX.
Son realmente imágenes de felicidad, en su mayoría pintadas en el estudio del artista en el sur de Francia, con modelos en lánguidas poses recostadas en alguna chaise-longue o distraídas de la lectura del libro que tienen delante.

En los cuadros del que fue durante algún tiempo el gran rival de Picasso, aparecen con frecuencia espacios de transición entre el luminoso exterior y el fresco interior del estudio: puertas y balcones, normalmente abiertos para que entre la brisa del mar.

La puerta o la venta abiertas son un motivo frecuente en la pintura romántica del siglo XIX, pero que Matisse ha transformado y adecuado a un ambiente totalmente mediterráneo.

En algunos de los cuadros, como el titulado "Nu aux jambes croisées" (Desnudo con las piernas cruzadas", que muestra a su modelo rusa Lydia Delectorskaya, la naturaleza lujuriante del Midi francés penetra materialmente en el estudio del artista.

Los espejos son también un elemento importante en la obra del artista, un elemento que complica la imagen, crea realidades alternativas y muestra su absoluto control del espacio.

El desnudo femenino, tema de buena parte de los cuadros reunidos, ocupó siempre un lugar central en su pintura, y, al margen de su importancia estética, le ayudó a resolver muchos problemas artísticos, porque era una forma de desplazar la sensualidad del cuerpo femenino a la materialidad del arte.

La mujer y la moda fueron preocupaciones permanentes del artista, para quien el acto de pintar tenía algo de teatral: Matisse guardaba en su estudio todo tipo de accesorios e indumentaria femenina para vestir a sus modelos, entre las que había aspirantes a actriz que buscaban trabajo en los estudios de Niza.

A algunas de las modelos las pintó como bailarinas, y la danza fue, como en el caso de Degas, aunque no en el mismo grado, una de las fuentes de inspiración de Matisse, que diseñó incluso decorados para algunos ballets, como los del ruso Diaghilev.

Uno de los cuadros más interesantes de los expuestos en la galería londinense muestra a la modelo vestida de tutú mientras descansa en un sillón amarillo con los brazos por detrás de la cabeza.

Junto a esas pinturas deliciosas, la galería ha logrado reunir cuatro grandes esculturas en bronce, procedentes de la Tate Modern, famosa serie de altorrelieves que abarca un período de más de veinte años (1909-1930).

Representan a una mujer de espaldas con la mano izquierda levantada a la altura de la cabeza y situada frente a una pared.

A uno le asalta la duda de si se trata de cuatro esculturas distintas o de una misma escultura en cuatro fases de creciente abstracción: desde las formas orgánicas de la primera hasta la construcción angular y casi arquitectónica de la última.

Por Agencia EFE

Van Meegeren se negó a descubrir su secreto, la vanidad del falsificador

2010-06-03T11:57:00.000-07:00

Demostrar que un cuadro es falso es casi tan difícil como demostrar que es auténtico. Este detalle estuvo a punto de llevar a la horca al copista de Vermeer, autor de una versión perfecta de Los discípulos de Emaús, que se llevó su secreto a la tumba

Miguel Ángel le vendió al papa Julio II como esculturas griegas algunas que él mismo había esculpido de propia mano. Era una estafa, pero no dejaban de ser esculturas auténticas de Miguel Ángel y sin duda con el tiempo fue el Vaticano, como siempre, el que salió ganando. Muchas veces le llevaban a Picasso uno de sus cuadros para que lo autentificara. Hubo casos en que el pintor se negó a reconocer su propia obra si esta ya no le gustaba. "¿Pero, maestro, no recuerda que le he comprado esta pintura a usted en persona en este mismo taller?", exclamó un coleccionista angustiado. "Es que yo también pinto a veces Picassos falsos", contestó el pintor.

Viendo que había salvado el pellejo Van Meegeren se negó a descubrir su secreto. Cómo envejecía el lienzo, cómo disolvía las tintas

A principios del siglo pasado el marchante Ambroise Vollard, el descubridor de Picasso, se pasaba el día dormitando en su tienda de la Rue La Boétie a la espera de que cayera por allí algún coleccionista a comprarle un cuadro. Un día sonó la campanilla y entró un americano de Oklahoma. Quería un Cézanne. El marchante le mostró seis óleos del pintor, los únicos que tenía, a quinientos francos cada uno. "Si me hace un precio, le compro los seis", dijo el comprador muy sobrado. "En ese caso le cobraré 3.000 francos por cuadro". El americano quiso saber el motivo de semejante veleidad. "Tiene su lógica", contestó el marchante. "Usted sólo me da dinero y a cambio yo me quedo sin un solo Cézanne". Otro día sonó la campanilla y entró en la tienda un clochard muy andrajoso con un pequeño lienzo en la mano. Estaba firmado por un tal Van Gogh y representaba a un tipo de mirada salvaje, la barba rojiza, el rostro anguloso bajo un sombrero de fieltro. Era un autorretrato. El clochard estaba dispuesto a cedérselo por cualquier cantidad que le permitiera comprarse una botella de calvados. El señor Vollard reconoció la figura del lienzo a primera vista y le dijo al clochard que el cuadro era falso. El autorretrato auténtico de Van Gogh se lo había vendido el propio marcharte al barón de Rothschild y estaba colgado en la chimenea del salón principal de su mansión en París. Puesto que era una copia mala que no valía siquiera una botella de calvados el clochard abandonó el lienzo en la tienda y se largó sin dejar rastro. El falso autorretrato de Van Gogh quedó arrumbado en el suelo entre otros cuadros y cachivaches, de forma que desde la mesa Vollard tenía siempre a la vista aquella figura de rostro de cuchillo, que no le apartaba su mirada salvaje como si le recriminara su pasividad disuelta siempre en una continua modorra. Después de algunos meses esa figura se había convertido en una obsesión. Aquellos ojos estaban vivos y expresaban una verdad. Para salir de dudas, con el lienzo bajo el brazo el marchante se dirigió a la mansión del banquero y pidió comparar los dos autorretratos. Le bastó un solo minuto para llegar a la conclusión de que el Van Gogh auténtico era el del clochard, pero cuando preguntó por él en Montmartre le dijeron que se había arrojado al Sena.

Todos los cuadros son falsos mientras no se demuestre lo contrario. Cuando André Malraux fue nombrado por De Gaulle ministro de Cultura inició la labor en el ministerio con dos actos simbólicos: primero obligó a limpiar todas las fachadas de París y después se paseó por todos los museos, tiendas de cuadros y galerías, requisó los lienzos falsos de Utrillo y de Corot que encontraba, hizo con ellos una pira en la plaza de Ravignan y así ardieron al menos trescientos lienzos atribuidos a estos dos pintores. Si un ángel exterminador realizara un vuelo rasante sobre todos los museos y pinacotecas del mundo y acercara su espada flamígera a todas las obras de arte falsas o mal atribuidas desde el tiempo de los faraones hasta hoy serían muy escasas las que resistirían la prueba del fuego hasta el punto de que gran parte de la historia quedaría vacía. Pero demostrar que un cuadro es falso es casi tan difícil como demostrar que es auténtico. Este detalle estuvo a punto de llevarle a la horca a Van Meegeren, al falsificador de Vermeer.

Cuando al final de la Segunda Guerra Mundial en la Bélgica liberada comenzó la caza de colaboradores con los nazis la investigación llegó hasta las oficinas de un banquero en cuyos papeles constaba la venta al mariscal Goering de un cuadro de Vermeer, titulado Mujeres sorprendidas en adulterio. El banquero se sacudió las pulgas de encima delatando al verdadero vendedor, un tal Van Meegeren, pintor de tercera categoría, quien fue detenido el 29 de mayo de 1945 y después de un juicio rápido se le condenó a muerte por traición a la patria y colaboración con el enemigo. En el juicio Van Meegeren manifestó en su defensa que había falsificado ese cuadro. No sólo ese, perteneciente a la colección privada de Goering, sino también otros del mismo pintor. Durante años se había vengado de la indiferencia que despertaba su talento falsificando al más grande artista holandés del siglo XVII, del que sólo se conocían 37 obras. De hecho uno de sus cuadros falsos, Los discípulos de Emaús, había sido certificado por Brodius, el especialista de más prestigio, como una obra maestra de Vermeer y la Sociedad Rembrandt la había adquirido por 170.000 dólares. Los jueces no le creyeron, dada la perfección del trabajo. Pero en este caso su vanidad de artista entró en colisión con la muerte. Pudo haber repetido la hazaña del general Della Rovere, un impostor que se dejó fusilar como héroe, siendo un simple falsario con dotes de actor que había engañado a los nazis. Aunque a Van Meegeren le halagaba que su talento fuera reconocido públicamente ante un tribunal, no estaba dispuesto a arrastrar su vanidad hasta el pie de la horca.

Para demostrar su inocencia pidió que le llevaran a la celda un lienzo y todos los colores, aceites y pinceles necesarios. Comenzó a falsificar el cuadro de Vermeer titulado Jesús entre los doctores. Dada la habilidad de su mano, a mitad del trabajo, los jueces cambiaron de opinión. La pena de muerte por traición a la patria, malversación del patrimonio nacional y colaboración con el enemigo fue conmutada por una condena a dos años de cárcel por simple falsificación. Viendo que había salvado el pellejo Van Meegeren se negó a descubrir su secreto. Cómo envejecía el lienzo, cómo obtenía los mismos pigmentos que usaba Vermeer, cómo disolvía las tintas viejas, cómo sometía al horno la tela para conseguir el craquelado peculiar del siglo XVII, cómo pegaba al lienzo pelos de comadreja sacados de los pinceles de la época y otras manipulaciones todavía más elaboradas se las llevó Van Meegeren a la tumba.

Queda dicho que demostrar la falsedad de un cuadro es a veces una labor muy ardua. En este caso, más allá de la sentencia del tribunal, el juicio continuó entre historiadores y estetas por un lado, físicos y químicos por otro. Unos seguían defendiendo la autenticidad de los Vermeer, pese a la propia confesión del falsificador. Las palabras que adornan los sentimientos estéticos ante cualquier obra de arte pueden formar un laberinto del que es imposible salir. Así sucedía con el cuadro Los discípulos de Emaús, hasta que fue sometido a un examen químico en un laboratorio inglés donde se demostró que Van Meegeren había usado fenol formaldehído para disolver las tintas secas y el azul cobalto mezclado en el lapislázuli, dos sustancias que no fueron descubiertas hasta el siglo XIX. Finalmente Van Meegeren había sido científicamente desenmascarado, pero de esta afrenta ya no se enteró, puesto que murió antes de un ataque al corazón en la cárcel, en 1947. Algunas esculturas griegas del Vaticano son de Miguel Ángel y en el Rijksmuseum de Amsterdam los falsos Vermeer son tanto a más visitados que los auténticos.
MANUEL VICENT

El día en que a la Junta de 1810 le propusieron fabricar un... submarino

2010-06-03T09:53:00.000-07:00

Un ciudadano estadounidense le llevó el proyecto al flamante gobierno con el fin de enfrentar a los realistas de la Banda Oriental.
En 1810, inmediatamente después de la instalación del primer gobierno patrio, el problema más grave que enfrentaba éste era la tenaz oposición de la Banda Oriental. El espionaje era moneda corriente en las dos orillas y no se descartaba un ataque de los realistas desde Montevideo.

Por esos días arriba a Buenos Aires, procedente de Amsterdan y embarcado en el mercante inglés “Patty”, el ciudadano norteamericano Samuel Williams Taber, con intención de radicarse en el Plata y dedicarse al comercio, según se recuerda en www.lagazeta.com.ar

Taber tenía treinta años, había nacido en la ciudad de Nueva York y pertenecía a una familia acomodada de origen judío. Había arribado a Montevideo en diciembre de 1810, pero al tomar conocimiento de la revolución porteña, optó por pasar a Buenos Aires a efectos de aportar su esfuerzo a la causa emancipadora.

Se presentó inmediatamente en el fuerte, donde expuso a los miembros de la Primera Junta los planos de un artefacto submarino que serviría para atacar a la flota realista. Su invento era una especie de tortuga de madera con un taladro en la punta con el que Taber pensaba perforar el casco de los buques enemigos en la rada de Montevideo, a efectos de colocar allí los explosivos.

La Junta designó una comisión especial para que estudiara los planes de Taber, integrada por Cornelio Saavedra y Miguel de Azcuénaga (1), quienes, mediante un informe secreto, aprobaron la factibilidad de la idea y la posibilidad de volar los polvorines flotantes de la armada española.(2)

En menos de quince días comenzó la construcción del conocido solamente como “proyecto Taber”, dado el secreto de que se le rodeó. El mismo fue financiado enteramente por su inventor.

A poco de iniciarse los trabajos, el norteamericano fue enviado a la Banda Oriental en calidad de espía, a efectos de estudiar in situ el ataque. Taber regresó a Montevideo y se abocó a su misión realizando estudios de sondajes, corrientes, etc.

El 26 de marzo de 1811, junto con dos capitanes, dos subtenientes y un ingeniero, se disponían a huir del puerto oriental en una pequeña embarcación con el resultado de su espionaje, pero fue detenido, acusado de sobornar a marinos españoles. Cargado de cadenas fue llevado a prisión, donde permaneció hasta el 25 de mayo de 1811, en que, luego de muchas protestas, y mediante la intervención del cónsul norteamericano, y la única condición de que se embarcara en el primer navío que se dirigiera a los Estados Unidos y nunca más se inmiscuyera en los asuntos del Río de la Plata, fue liberado.

En agosto abordó la nave que lo depositaría en su país natal. Pero Taber había decidido que su corazón era de Buenos Aires, descendió del buque en Río de Janeiro e inició el regreso, llegando a esta ciudad el 10 de septiembre de 1811.

Inmediatamente se reunió con los miembros de la Primera Junta para exponerles su plan, que consistía en atacar con su invento una fragata y un bergantín españoles utilizados como depósitos de pólvora amarrados en el puerto de Montevideo. La Junta aprueba el plan y nombra a Taber capitán de artillería ad-honorem.

Fabricada la embarcación, construida en madera, de entre ocho a diez metros de largo, pintada de negro y marcada con una “T” en blanco, sus partes son colocadas en un gran cajón de madera de pino, también marcado con una “T”.

El 21 de octubre de 1811 Taber solicita permiso para trasladarse a la Ensenada de Barragán con todo el equipamiento a efectos de completarlo, armarlo y experimentarlo en aguas del río. Esto era necesario porque el bajo calado de las aguas del puerto de Buenos Aires hacía imposible la navegación del artefacto. Además, hubiera llamado la atención de todos y no faltaría el soplón que informaría a los realistas.

Jamás llegó a Ensenada, porque antes que la pesada carreta tirada por bueyes iniciara su travesía, el 22 de septiembre de 1811, cayó la Junta Grande y asumieron Juan José Paso, Manuel de Sarratea y Feliciano Chiclana.

A los miembros del primer triunvirato les pareció arriesgada la idea del norteamericano y la descartaron, a pesar de que Juan José Paso había integrado la Junta que aprobó el proyecto de Taber. Jamás se supo adonde fue a parar el cajón con las partes del aparato.

Taber siguió durante 1812 con sus espionajes, ahora en Chile, y el 8 de noviembre de 1813 murió en la estancia de su amigo Richard Hill, situada a 50 kilómetros de la ciudad de Buenos Aires, víctima de la tisis adquirida en su prisión de Montevideo. Legó todos sus bienes, según hizo anotar en su testamento, a la Junta Revolucionaria.

Los planos del submarino de madera desaparecieron, y la tortuga de Taber jamás pudo participar de la guerra de la independencia. Ninguna calle o plaza recuerda a este visionario precursor que puso su vida y sus bienes al servicio de su país de adopción.

La génesis del submarino

Una de las opiniones menos cuestionados del mundo es la que atribuye a Julio Verne la invención del submarino. Como tantas otras, y a pesar de su popularidad, es lamentablemente falsa, porque para la época en que Verne escribió 20.000 leguas de viaje submarino (1870) ya existían embarcaciones subacuáticas, y la primera de ellas se había llamado precisamente Nautilus.

Cuando George Washington avanzaba sobre Nueva York, una ciudad dominada por los realistas y defendida por 350 barcos ingleses, el arma secreta yanqui resultó una innovación tecnológica. Su inventor nunca sospechó que estaba trazando el camino que los Estados Unidos seguirían en los próximos siglos. Inadvertida para los británicos, una cáscara de nuez que se desplazaba bajo el agua intentó taladrar el blindaje de cobre del buque insignia “HMS Eagle” para colocar una carga explosiva. El “Eagle” no sufrió grandes daños, pero el ataque sembró confusión en la flota.

Era la Tortuga Americana, el primer submarino operativo de la historia, impulsado por los músculos del sargento Lee y diseñado por David Bushnell, un estudiante de Yale. Tenía todo lo que era esencial en un submarino: tanques de lastre, sistema de propulsión, cargas explosivas y hasta una torreta de observación. Este prototipo artesanal se convirtió para Robert Fulton (1765-1815) en el germen de toda una filosofía: el submarino sería la “solución tecnológica” para la guerra, el arma definitiva que permitiría cambiar la historia. La tecnología iba a ser el instrumento que cambiaría el eje del poder, aseguraría el dominio total y haría imposible cualquier guerra futura. Cuando Fulton escribió su tratado Guerra de torpedos, resumió su credo en un epígrafe: “La Libertad de los Mares traerá la Felicidad a la Tierra”. El camino de la paz y el triunfo del bien pasaban por la guerra, quizá “punitiva” o aun “preventiva”.

Las enciclopedias suelen mencionar a Fulton como el creador del primer barco comercial de vapor, si bien la mayoría de sus inventos fueron de carácter bélico. Fulton desarrolló el submarino, los torpedos, las minas navales y los cañones Columbiad: otro nombre del cual se apoderó Verne cuando pensó en enviar hombres a la Luna. La paternidad de casi todos sus inventos fue muy discutida, y los historiadores ingleses aseguran que muchos no le pertenecían.

El joven Fulton inició su carrera como artista, pintando esas miniaturas sobre marfil que entonces se conocían como “camafeos”. Pese a ser un ferviente republicano, se marchó a Inglaterra apenas cuatro años después de la independencia norteamericana, para probar suerte como pintor. Su fracaso en el mundo del arte lo llevó a interesarse en otros temas, y en 1796 publicó un tratado sobre los canales de navegación. En Inglaterra, Fulton se impregnó de la ideología del naciente capitalismo industrial, pero depositó toda su confianza en la tecnología de armamentos como clave del desarrollo y de la paz.

El arma definitiva que iba a acabar con el Antiguo Régimen era el submarino. En 1797, Fulton se fue a Francia y le presentó al Directorio algunos escritos en pro del libre comercio y la paz perpetua. Apelando a “los amigos de la Humanidad”, les ofreció el arma que volvería imposible cualquier guerra. En una carta dirigida a un amigo inglés describía el submarino como “una curiosa máquina destinada a corregir nuestro sistema político”, lo cual dejaba muy pocas dudas en cuanto a sus intenciones.

En busca de financiamiento para su empresa, la Nautilus Company, Fulton se dirigió a Napoleón y se ofreció para crear una flota de “nautilus mecánicos” que servirían para atacar a la Armada inglesa. El pánico que causarían los submarinos pondría fuera de combate a la flota real, facilitaría la invasión francesa a las islas y llevaría al colapso de la monarquía británica.

Financiado por Napoleón, Fulton puso a punto su Nautilus en 1800 y realizó una demostración en el Sena ante el futuro emperador. El Nautilus navegaba a vela en la superficie, se movía bajo el agua impulsado por la fuerza de sus tres tripulantes, y podía permanecer hasta seis horas sumergido, usando aire comprimido y un snorkel. En los planos, Fulton se retrató a sí mismo mirando por el periscopio.

El Nautilus de Fulton alcanzó a realizar una incursión en el Canal de la Mancha, donde no llegó a causar daños materiales a los barcos ingleses, pero produjo gran inquietud.

Bibliografía:

ARGUINDEGUY, Pablo E. - “Apuntes sobre los buques de la Armada Argentina”, tomo I, pgs.58/59 - Departamento de Estudios Históricos Navales, Buenos Aires, 1972

BAUZA, Francisco - “Historia de la dominación española en el Uruguay” - El Demócrata, Montevideo, 1929

DESTEFANI, L- H. - Manual de Historia naval argentina

ELLAURI OBLIGADO, Gontrán - El primer submarino argentino - ¡Aquí está!, Buenos aires, 16 de octubre de 1941

VILLEGAS BASAVILVASO - “Un proyecto de submarino en 1810” - Boletín del Centro Naval, tomo XXX

(1) Los dos militares que integraban la Primera Junta.
(2) Estos documentos se encuentran en el Archivo General de la Nación (VII-7-5-14), aunque no se ha podido hallar el informe secreto suscripto por Saavedra y Azcuénaga.
Fuente: http://www.histarmar.com.ar/InfHistorica/PrimerSubmArgentino.htm
Minuto UNO

Farmville: considerado por Time como “el juego más adictivo en Facebook”,

2010-06-03T09:32:00.001-07:00

Farmville: considerado por Time como “el juego más adictivo en Facebook”, se cree que la finca de animalitos y vegetales ha cautivado a tal punto al mundo que la adicción ha disminuido la productividad de las personas en el trabajo ¿acaso nunca cerraste la ventanita web de tu granja mientras pasaba tu jefe? jeje.

La silla Hula-Hula: esta ambiciosa silla pretendía que hicieras ejercicio mientras trabajabas

2010-06-03T09:31:00.000-07:00

La silla Hula-Hula: esta ambiciosa silla pretendía que hicieras ejercicio mientras trabajabas. Pero lo cierto es que no querrías que nadie te viera moviéndote como si estuvieras arriba de un torito mecánico.
Además, este extraño artículo costaba 250 dólares (casi 133 mil pesos).

Mascotas Virtuales: los Tamagotchis fueron los más populares

2010-06-03T09:29:00.000-07:00

Mascotas Virtuales: los Tamagotchis fueron los más populares. Pero los niños debían tener extremo cuidado con estas mascotitas pues, si las dejaban de alimentar o mimar durante un día, ellas podían morir inevitablemente.
Frente a esta pérdida emocional, hacer que tus hijos dejaran de llorar era todo un desafío.

La protección de Sony para que no copiaras su música a tu computador

2010-06-03T09:27:00.001-07:00

La protección de Sony para que no copiaras su música a tu computador: la peor innovación contra la piratería la lidera esta empresa luego de que en 2002 inventara un software incluido en sus discos que prevenía el acceso a los datos (sólo permitía la reproducción).
Sin embargo, los ingeniosos de siempre lograron derrotar a la costosa tecnología marcando con un lápiz permanente el borde del disco, lo que dejaba inutilizable esta barrera.

Publicidad en formato Pop-Ups

2010-06-03T09:25:00.001-07:00

Publicidad en formato Pop-Ups: la verdad, es que este tipo de anuncios publicitarios en la web sólo fueron increíbles durante el primer par de años durante la pasada década.
Después, se dedicaron a molestar a los cibernautas que querían dirigirse a una página en particular (sobre todo cuando trataron de poner en la parte menos visible el botón de cerrar).

Betamax: videograbadora introducida por Sony en 1976

2010-06-03T09:24:00.000-07:00

Betamax: En realidad, esta videograbadora introducida por Sony en 1976 no era un producto tan malo pero le tocó un competidor que supo encantar al mercado con una mejor tecnología, el VHS.
Si bien su formato era más pequeño, Betamax sólo grababa hasta 1 hora de video a diferencia de los VHS que podían recopilar hasta 2 horas. Esta vital diferencia se convirtió en la sentencia de muerte del setentero gadget de Sony.

Ford Pinto: este automóvil de 1971

2010-06-03T09:22:00.001-07:00

Ford Pinto: este automóvil de 1971 es considerado uno de los peores modelos del mundo tuerca pues, al parecer, tendía a explotar cuando lo chocaban por la parte trasera.
El problema, según la revista, es que salía más barato pagar las cuentas médicas de los afectados que hacer que tu Pinto volviera a rugir en las calles.

Nintendo Virtual Boy: lanzado en 1995

2010-06-03T09:21:00.000-07:00

Nintendo Virtual Boy: lanzado en 1995, este dispositivo estuvo menos de 6 meses en el mercado de los videojuegos, principalmente, porque dificultaba la visión con su formato que se ajustaba a la cabeza del jugador y poseía rudimentarios gráficos en 3D.
Además, Virtual Boy disponía sólo de 14 juegos en Estados Unidos y costaba cerca de 65 mil pesos lo que, para la época, significaba mucho dinero.

Clippy’?: El molestoso clip que hizo su estreno en Microsoft Office ‘97

2010-06-03T09:19:00.000-07:00

¿Alguien usó ‘Clippy’?: El molestoso clip que hizo su estreno en Microsoft Office ‘97 tenía como misión ayudar a los usuarios con diversas tareas como escribir en Word.
Sin embargo, después se hizo innecesario a medida que las personas aprendieron a usar los programas, por lo que su presencia y voz causaban la ira de aquellos que trabajaban en un PC.

Segway: según Dean Kamen, su producto vendría a revolucionar la industria del transporte

2010-06-03T09:16:00.001-07:00

Segway: según Dean Kamen, su producto vendría a revolucionar la industria del transporte cuando apareció en 2001. Sin embargo, muchos no encontraron utilidad a esta especie de scooter y a otras tantas les dio vergüenza salir con su mejor pinta en dirección al trabajo luciendo un casco que no provocaba ni a los maestros de la construcción.
Pese a lo anterior, Segway es usado en centros comerciales -es común ver a los guardias paseándose encima de su divertido vehículo- e incluso por aquellos turistas que hacen tours por lugares como los zoológicos.

Phone 8° entre los 10 inventos mas importantes del mundo

2010-06-03T09:12:00.000-07:00

Una encuesta realiza en Gran Bretaña entre 4000 personas dejo al iPhone 8° en el top de los inventos más importantes del mundo, seguro que te suena un poco disparatado como a mi pero asi es.

Como muestra la imagen la rueda, casi por definición, es el mejor invento de la historia y la lista se completa asi:

1. Rueda
2. Avión
3. Bombilla
4. Internet
5. PC
6. Teléfono
7. Penicilina
8. iPhone
9. Cisterna del inodoro
10. El motor de combustión

La encuesta abarco personas desde los 18 a 65 años, con lo cual no hay posibilidad pensar que es un tema generacional. El informe completo lista los 100 inventos mas importantes y los podes ver en Newslite.

Una pata de conejo para la buena suerte

2010-06-03T08:17:00.001-07:00

Caricatura : La ropa y el trabajo (Chuck & Beans)

2010-06-03T08:13:00.000-07:00

Paseadora de perros famosos

2010-06-03T08:07:00.001-07:00

caricatura de David Soames donde una mujer ha conseguido un trabajo de ensueño

Los informáticos y el tiempo libre

2010-06-03T08:03:00.001-07:00

Las diferencias entre ellas y ellos

2010-06-03T08:00:00.000-07:00

La gota que derramó el vaso

2010-06-03T07:58:00.000-07:00

General Electric con su programa Energy Smart desarrollo el nuevo foco de luz capaz de iluminar 25 veces

2010-06-03T07:43:00.000-07:00

La empresa General Electric con su programa Energy Smart desarrollo el nuevo foco de luz capaz de iluminar 25 veces más que los focos incandescentes.
Este foco tendrá duración de 25 mil horas, comparadas con las mil de los focos normales. En caso de que se use por tres horas diarias, podrá durar 23 años. Si se usa por cuatro horas diarias, durará 17 años.

La bombilla consume 9 watts de energía y produce la misma cantidad de luz que la bombilla de 40 watts. Para crearla se usó como base la tecnología LED y estará disponible en Estados Unidos a fines de este año o comienzos del próximo. El foco costará 40 y 50 dólares.

A finales de este año, o comienzos del próximo, se comenzará a comercializar en Estados Unidos focos que durarán hasta 23 años.

¿Quién inventó la radio?Tesla, Marconi o Popov Julio Cervera

2010-06-03T07:35:00.000-07:00

Al igual que ocurre con otros inventos, es difícil determinar quién inventó realmente la radio. La emisión y recepción del sonido a través de ondas electromagnéticas es posible gracias a los aportes de una gran cantidad de científicos provenientes de varios países. Sin esos trabajos previos, los experimentos de Tesla, Marconi o Popov -los tres científicos a los que suele atribuírsele este logro– no hubiesen sido posibles. También existen indicios que permitirían afirmar que un militar español, el comandante Julio Cervera, se adelantó en 11 años al famoso experimento de Marconi.

Históricamente, la invención de la radio -es decir, un sistema capaz de emitir y recibir sonidos mediante la modulación de ondas electromagnéticas- se ha atribuido al italiano Guillermo Marconi. Nacido en la ciudad de Bolonia el 25 de abril de 1874, el ingeniero eléctrico Guillermo Marconi incluso recibió en 1909 el Premio Nobel de Física por el desarrollo de esta tecnología, a la que en la época se la llamaba “telegrafía sin hilos”. Sin embargo, hubo muchos científicos, ingenieros e incluso aficionados que al mismo tiempo (e incluso antes) que el italiano hicieron notables avances en este campo. Muchas de esas personas son consideradas -a veces solamente en su país de origen- como “el inventor de la radio.”

Está claro que las bases teóricas sobre las que se asienta la radio fueron concebidas por James Clerk Maxwell, quien envió un documento titulado “Una teoría dinámica del campo electromagnético” a la Royal Society en 1873. En ese histórico escrito, Maxwell resumía sus trabajos realizados entre 1861 y 1865 y explicaba cómo los campos eléctricos variables crean campos magnéticos variables, y viceversa. Además, postulaba que estos campos variables que se propagarán por el espacio en forma de campos electromagnéticos -también variables- que se alejarían en forma de ondas electromagnéticas de la fuente en donde se originaron.

Hubo que esperar hasta 1888 para que Heinrich Rudolf Hertz comprobase experimentalmente la teoría de Maxwell. Hertz fue el primero en crear artificialmente tales ondas electromagnéticas y en detectarlas. Logró efectuar emisiones y recepciones de estas ondas y analizar sus características. Además, Hertz comprobó que las ondas que había generado en el laboratorio tenían exactamente las mismas propiedades de las previstas por Maxwell.

¿Esto significa que Hertz o Maxwell inventaron la radio? En absoluto. Estos dos científicos contribuyeron a la comprensión del mecanismo por el cual se podría crear un sistema de transmisión de información a través de ondas electromagnéticas, pero no construyeron un aparato que permitiese emitir y recibir sonidos por ese medio.

Como es obvio, los diarios de todo el mundo ponían en primera plana la noticia de que Hertz, utilizando un oscilador eléctrico, había sido capaz de enviar y recibir ondas electromagnéticas.

En Italia, un joven Guillermo Marconi (tenía 21 años en ese entonces) se puso a trabajar sobre la base construida por Hertz para convertir el sonido en ondas electromagnéticas y transmitirlas a través del aire, de forma inalámbrica. En septiembre de 1895 fue capaz, utilizando unos aparatos que el mismo construyó, de enviar por primera vez una señal eléctrica entre dos puntos sin utilizar cables. Rápido de reflejos, al año siguiente consiguió en el Reino Unido la primera patente sobre la radio. Entusiasmado por su éxito, Marconi montó una estación de radio en la isla de Wight, ubicada en la región sur de Inglaterra, que hoy se considera la primera del mundo. En 1898 consiguió uno de sus más importantes logros, transmitiendo una comunicación telegráfica entre el Reino Unido y Francia a través del canal de la Mancha.

Tres años más tarde, el 12 de diciembre de 1901, repetiría el experimento enlazando Cornualles y Terranova, separadas 3.378, una a cada lado del Océano Atlántico. Básicamente, Marconi utilizaba como emisor un generador de chispas de muy alta tensión conectado a una gran antena por un lado y a tierra por el otro. Este “equipo de transmisión” no estaba “sintonizado”, por lo que al menos técnicamente, lo que se producía no era otra cosa que un gran ruido electromagnético que contenía ondas en un amplio margen de frecuencias. Estas eran recibidas por un “cohesor” (“coherer”), que no era otra cosa que un recipiente de vidrio lleno de limaduras de hierro. Este artefacto, ideado y utilizado originalmente para proteger de los rayos las instalaciones telegráficas, variaba su resistencia eléctrica cuando era afectado por un campo electromagnético. ¿Esto significa Marconi inventó la radio? No necesariamente, y como veremos, en realidad es muy difícil atribuir la invención de la radio a una única persona.

Los trabajos de Maxwell y Hertz, como es lógico, sirvieron para que muchos científicos se pusieran a trabajar en temas relacionados con las ondas electromagnéticas. El 7 de mayo de 1895 (unos cuatro meses antes de que Marconi enviase su primera señal) un ingeniero ruso llamado Alexandr Stepánovich Popov había presentado un receptor capaz de detectar ondas electromagnéticas. Para el 24 de marzo de 1896, Popov ya disponía de un sistema completo capaz de emitir y recibir mensajes telegráficos, y de hecho transmitió entre dos edificios de la Universidad de San Petersburgo -separados por una distancia de 250 metros- el texto “HEINRICH HERTZ”.

Del otro lado del Atlántico, el nunca suficientemente reivindicado Nikola Tesla también trabajaba en este tema, aunque sin basarse en el trabajo de Hertz. Efectivamente, Tesla generaba y detectaba ondas de radio mediante corrientes eléctricas alternas de muy alta frecuencia aplicadas a una gran antena y a tierra. Las ondas electromagnéticas producidas de esta manera se transmitían a larga distancia y eran detectadas por otras antenas también unidas a tierra a través de circuitos resonantes formados por inductancias y condensadores (también ideados por Tesla). Si bien buscaba una forma de transmitir energía eléctrica de forma inalámbrica, sin necesidad de utilizar los costosos conductores metálicos, Tesla hizo la primer demostración pública de radiocomunicación en San Luis (Missouri) en 1893, dos años antes de que Marconi o Popov pudiesen hacer algo parecido.

Tesla presentó sus trabajos en el Franklin Institute de Filadelfia y en la National Electric Light Association. Describió y demostró todos los detalles de su sistema de radiocomunicación. Su mecanismo, de hecho, fue utilizado durante años hasta que se inventó la válvula termoiónica de vacío. Algunos de estos desarrollos fueron patentados por Tesla en 1897. Sin embargo, la Oficina de Patentes de Estados Unidos -seguramente influenciada por Thomas Alva Edison y Andrew Carnegie, enemigos declarados de las ideas de Tesla y partidarios de Marconi- revocó estas patentes en 1904 y otorgó al italiano la patente correspondiente a la invención de la radio. Medio siglo más tarde, en 1943, la patente de Tesla número 645576 fue restablecida a su dueño por la Corte Suprema de Estados Unidos, pero Tesla ya había fallecido y no pudo disfrutar de esta victoria legal. Así las cosas, podríamos pensar que corresponde a este científico el mérito de la invención de la radio. Sin embargo, y dejando de lado que tanto Tesla como Marconi y Popov llegaron más o menos al mismo tiempo y de forma completamente independiente al mismo resultado, lo cierto es que no fueron los únicos.

En efecto, hace unos pocos años el investigador Ángel Faus Belau, un profesor de la Universidad de Navarra, descubrió que la primera patente sobre la transmisión de voz sin hilos habia sido registrada por el comandante español Julio Cervera Baviera, en 1899. Actualmente, “el inventor de la radio” suele ser una persona diferente para cada nación, algo que no debería llamar la atención luego de todo lo expuesto. Es posible que lo más lógico fuese determinar alguna clase de “autoría compartida”, pero dado que la realidad muchas veces se encuentra bastante lejos de la lógica, probablemente sigamos discutiendo sobre la autoría de este invento durante varias décadas.

http://www.prensalatinalasvegas.com/2010-05/26-15398.htm

Escultura del “Principe Katamari” realizada en bronce galería de Flickr

2010-06-03T07:00:00.001-07:00

Esta espectacular escultura del “Principe Katamari” realizada en bronce ha sido creada por un estudiante de la universidad de San Francisco como proyecto de clase. Siguiendo el método de moldeo a la cera perdida este estudiante a esculpido una impresionante figura que tiene unos 20 cm de alto y nada menos que 4 kg de peso.

Además, podéis ver el proceso de creación en esta galería de Flickr. Por cierto, al menos de momento la pieza no esta a la venta, aunque si algún día lo esta seguro que alguien esta dispuesto a pagar un buen pico por ella.
Vía: Boingboing

Fuente: PixFans

"Sur les traces" de Wilfredo Lam (1902-1982)

2010-06-03T05:16:00.001-07:00

Nueva York, (EFE).- La obra "Sur les traces" de Wilfredo Lam (1902-1982) estableció el jeuves un nuevo récord para el artista cubano al venderse por 1,42 millones de dólares en una subasta de arte latinoamericano que Sotheby's celebró en Nueva York.
Ese precio es el más alto pagado hasta ahora en subasta por una obra de ese artista, considerado uno de los más originales exponentes del surrealismo en Latinoamérica, aunque la cifra total estuvo dentro del valor que le había estimado la casa de subastas, entre 1,2 y 1,8 millones de dólares.

Hasta ahora el récord para el artista cubano estaba, según recordó a Efe el portavoz de Sotheby's, Dan Abernethy, en los 1,32 millones de dólares que se pagaron en 1997 también en la sede neoyorquina de esa casa de subastas por la obra "Ogue orisa" (1943).

"Sur les traces" fue la única pieza que consiguió un precio millonario en una puja en la que partía con el valor más elevado, debido en gran medida a que "nunca había salido al mercado en subasta", aseguró a Efe la directora del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby's, Carmen Melián.

La obra, firmada en 1945, fue "una de las últimas que el artista tuvo en sus manos", según Melián, quien destacó el atractivo de una pieza en la que se nota la influencia del español Pablo Picasso (1881-1973), quien era "íntimo" de Lam.

"Se pueden ver elementos de la selva a los que Lam incorporó el surrealismo y un poquito de cubismo", dijo la experta de Sotheby's sobre la creación de Lam, nacido en Sagua La Grande, en el centro de Cuba, y creador de un nuevo lenguaje pictórico que fusiona la herencia cultural afrocubana con las vanguardias europeas.

De él también se vendieron una obra sin título por 302.500 dólares y "La femme magique" por 362.500 dólares.

La velada, en la que Sotheby's recaudó 12,22 millones de dólares, también tuvo otra estrella: "Retrato de Gladys March" (1946) del mexicano Diego Rivera (1886-1957) y que casi triplicó el precio que se le había estimado al adjudicarse por de 662.500 dólares.

La curiosidad de esa venta es que el lote estaba compuesto por el retrato que el mexicano tomó de su biógrafa, la estadounidense Gladys March, pero también por los manuscritos, los borradores y las notas que ésta tomó y que el artista incluso revisó para elaborar el libro "My art, my life" sobre la vida del conocido genio.

De Rivera también se ofrecía "La tejedora y los niños", una pieza que está considerada como tesoro nacional de México y que no puede salir de ese país americano, y que no encontró comprador dispuesto a pagar entre 1,3 y 1,5 millones como había valorado Sotheby's.

Destacaron, sin embargo, los altos precios alcanzados por otras piezas, como "The Ordeal of Owain", de la pintora británica asentada en México Leonora Carrington (1917), que se vendió por 722.500 dólares y una obra sin título de 1952 del chileno Roberto Matta (1911-2002), que alcanzó un precio de 692.500 dólares.

Del colombiano Fernando Botero (1932) se sacaron a la venta siete obras, aunque finalmente sólo se adjudicaron tres: la pintura "La toilette", que alcanzó los 602.500 dólares, y las esculturas "Donna a cavallo" y "Uomo che cammina", vendidas por 386.500 y 302.500 dólares respectivamente.

También se destacaron los 470.500 dólares pagados por la escultura "Desnudo en el aire", del artista costarricense nacionalizado mexicano Francisco Zúñiga (1912-1998) y que contaba con un precio de salida de entre 125.000 y 175.000 dólares.

Entre los otros platos fuertes de la noche estuvo "White and Yellow Package", del chileno Claudio Bravo (1936) y vendido por 458.500 dólares, así como "Mujer morada", del mexicano Rufino Tamayo (1899-1991), y "Escritura negra a la izquierda", del venezolano Jesús Soto (1923-2005), que lograron 422.500 dólares en ambos casos.

No muy por debajo de esas cifras quedaron "Mensaje", del mexicano de origen alemán Mathias Goeritz (1915-1990) y vendida por 386.500 dólares, y obras de varios autores venezolanos, entre las que destacó "Portrait of a Young Girl", un retrato elaborado por Martín Tovar y Tovar (1827-1902) vendido también por esa misma cantidad.

Entre esas obras venezolanas se subastaron "Physichromie Nº321-A", de Carlos Cruz-Díez (1923), por 326.500 dólares, y "Paisaje con uveros", de Armando Reverón (1889-1954), adjudicada por 314.500 dólares.

Hubo varias piezas que se retiraron y entre ellas se destacó el cuadro "Invocación", de la española exiliada en México Remedios Varo (1908-1963), que contaba con un valor estimado entre 600.000 y 800.000 dólares.

Sotheby's tiene previsto vender este viernes otra serie de obras latinoamericanas en una subasta matinal que pondrá fin a la semana de pujas de arte de esa región que esa casa y su rival Christie's han organizado en Nueva York.

Pintor francés henri Rousseau (Laval 1844, París 1910) precursor de la pintura “naif”

2010-06-03T05:08:00.000-07:00

El pintor francés henri Rousseau (Laval 1844, París 1910) considerado el precursor de la pintura “naif” o arte ingenuo y se convirtió en uno de los mayores intérpretes del siglo XIX e inicio del siglo XX.

Rousseau fue autodidacta y se ha inspirado en animales, jardines botánicos, fotografías, animales fantásticos, selvas y escenas lejanas, el pintor llenó su obra de poesía, humor e ironía.

También incursionó el impresionismo, surrealismo y fue precursor del arte moderno, nunca dejó Francia para sus increíbles inspiraciones.

No se preocupa de proporciones, volúmenes ni técnicas, sus figuras se ven planas y distorsiona la realidad, reflejo de una aparente sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica.

En sus comienzos Rousseau pintó retratos de la vida parisina, pero a partir del año 1890 se interna en el surrealismo, llenando sus cuadros de progresos técnicos de la época tales como: dirigibles, aviones biplanos, postes de telégrafo, etc.

Fue célebre en Francia, donde en 1908 Picasso lo encuentra tratando de vender sus cuadros, y le ofrece un banquete en homenaje en el atelier que el artista español poseía en el Bateau-Lavoir.

SumaClicks recibir publicidad por e-mail y a sumar dinero

2010-06-03T03:24:00.000-07:00

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José Miguel Bayro Corrochano “El hombre azul” Ubicada en el “Paseo de San Francisco”,

2010-06-02T11:49:00.000-07:00

Puebla, México, acoge una obra monumental del artista boliviano José Miguel Bayro Corrochano | “El hombre azul” es una escultura de gran formato que, inspirada en la fortuna, revela a un artesano concentrado en su labor cotidiana.

Ubicada en el “Paseo de San Francisco”, en el centro de la ciudad de Puebla, México, pieza inspirada en el germen y origen de la transformación de los materiales, que dan lugar al vital intercambio en los centros urbanos donde se da la interacción entre los seres humanos.

El ARTESANO, personaje imprescindible en todas las culturas, transita desde los tiempos inmemoriales a lo revolucionario y contemporáneo.

Escultura que revela a un trabajador concentrado en su labor cotidiana.

De pie ve al futuro trabajando junto a una peculiar silla.

Acompaña al “HOMBRE AZUL” un discreto chorro de agua que nace de una fuente minimalista. Símbolo que da vida a una ciudad vigorosa.

Rostro relajado, dibujado y tallado en planos cortados donde se adivina una expresión visionaria y de esperanza.
Manos fuertes y bien formadas que nos hablan de los instrumentos con los que él se identifica y transforma los materiales.
La silla de tres patas nos recuerda la trilogía donde se asienta el concepto económico que mueve a las sociedades modernas: Producción, distribución y consumo.

La escultura está cubierta de talavera coloreada en tonos azules, sobre una cama de piedra blanca, donde el agua gravita y repite su ciclo.

De cerca, el espectador percibe como surge su abrumadora dimensión de 5 metros de alto y en proporción áurea (1.618). El conjunto nos habla del trabajo como una religión para los pueblos que buscan desarrollarse en comunión y con un espíritu abierto a un mundo mejor. Es una pieza con alma, ya que en su corazón guarda un “EQUEKO” (Dios boliviano de la abundancia).

El espectador-cómplice no podrá contener la tentación de registrar esta imagen para que perdure en su mente.

Así comienza el mito que hará retumbar en la conciencia del visitante, la pregunta perenne: “¿Quién construyó Tebas…?” (Mtro. José Miguel Bayro Corrochano http://www.josebayro.com/)

/www.lostiempos.com

"Roberto Fernández Larrinaga: maestro de la escultura" Centro Rougés

2010-06-02T09:03:00.000-07:00

El Centro Rougés (Laprida 36) inaugurará mañana a las 20.30 la exposición "Roberto Fernández Larrinaga: maestro de la escultura". La muestra homenajea al destacado artista uruguayo, radicado en esta ciudad, que fue maestro de generaciones de plásticos. Muchas de sus obras forman parte del paisaje tucumano, como la pieza "Monumento a la madre", ubicada en el parque 9 de Julio.

A su llegada a Tucumán en contacto con importantes maestros vanguardistas -nacionales y extranjeros- como Lino Eneas Spilimbergo, Víctor Rebuffo, Lajos Szalay y Eugenio Hirsch, inició una nueva etapa de su vida, de arraigo en el medio y afianzamiento profesional.

El escultor había adquirido junto a sus maestros uruguayos Pedro Cantú y Severino Posse, y al argentino Juan Carlos Oliva Navarro, los conocimientos académicos y técnicos del quehacer escultórico. "Como colaborador de Belloni no solo se especializó en la realización de monumentos públicos, sino que además incorporó de este artista su interés por la representación figurativa de temáticas de fuerte arraigo en el sentir popular, una influencia del romanticismo alemán", señala en el catálogo Gloria Gentilini.

El conocimiento de las distintas técnicas, de las particularidades que implica trabajar en diferentes dimensiones y las posibilidades expresivas que brindan los distintos materiales hicieron de Fernández Larrinaga un artista que podía pasar de un material a otro sin traumas. Se manejaba con la misma solvencia cuando trabajaba la piedra, la madera o la cerámica.

Abridor de botellas USB de Brando

2010-06-02T08:54:00.001-07:00

Hoy por hoy absolutamente todo tiene puerto USB: los teléfonos, los ordenadores, los reproductores de música, los cargadores de batería, etc. Lo que faltaba era un invento que aunara un abridor de botellas con la capacidad de almacenamiento de datos que proporciona una memoria USB. Y para eso llegó este diseño de Brando que es de lo más sencillo: se trata de un abridor de botellas que en su extremo opuesto cuenta con un puerto USB mediante el cual podrás almacenar datos.

Esta particular memoria USB está disponible en capacidades de 2, 4 y 8 gb y puedes comprarla a través del sitio de Brando (sus precios sonde de 19, 22 y 33 dólares respectivamente). Así que ya sabes que este es el gadget que necesitas para llevar tu información a todas partes… ¡y garantizarte que podrás abrir tu cerveza!

Sotheby´s subasta hoy «Esclava», una obra del último año de Julio Romero de Torres

2010-06-02T08:16:00.000-07:00

LUIS MIRANDA. CÓRDOBA
Cuando se cumplen 80 años de su primera y aclamada exhibición en público y más de un lustro de su frustrada subasta, «Esclava», uno de los últimos cuadros de Julio Romero de Torres, saldrá hoy a subasta. La casa londinense Sotheby´s sacará a puja esta obra, que parte con un precio de entre 340.000 y 450.000 euros y que forma parte de uno de los lotes de obras legendarios de Julio Romero de Torres, tanto por su propia concepción como por todos los acontecimientos que los han rodeado a lo largo de los años.

«Esclava» formaba parte de los lienzos que se exhibieron en el pabellón de Córdoba de la Exposición Iberoamericana de Sevilla. Aunque la cita se había inaugurado en 1929, el recinto cordobés se abrió en febrero de 1930 y en él se mostraron importantes cuadros del autor. Romero de Torres estaba entonces afectado por la enfermedad que se lo terminó llevando en mayo de aquel mismo año.
Colas para ver los cuadros
La directora de los Museos Municipales y mayor experta en el pintor, Mercedes Valverde, explicó que Romero de Torres llegó a un acuerdo con el comisario de la Exposición Iberoamericana, el cordobés José Cruz Conde: enviaría obras a cambio de que se le permitieran venderlas. «Hizo un gran esfuerzo», resume Valverde.
Los cuadros que estuvieron en el pabellón de Córdoba forman parte de una lista ya legendaria: «Chiquita Piconera», «Fuensanta», «Amparo», «Rivalidad» y «Esclava». Las obras desbordaron todas las previsiones, pues, como destaca Mercedes Valverde, «se formaban colas en el pabellón para verlas». Había muchas más y entre ellas estaban las que acabarían formando el núcleo primigenio del Museo Julio Romero de Torres.
No se quedaron en España: Arturo Uriarte, un famoso médico argentino por la calidad de su trabajo investigador pero también por su filantropía y compromiso social, compró, junto a su hermano Leopoldo, «Amparo», «Rivalidad» y «Esclava» y las cedieron al Museo Nacional de Buenos Aires, el Prado argentino, para su exhibición permanente.
La noticia de que estas obras se marchaban fuera de España causó honda conmoción en la sociedad. «El rey Alfonso XIII llegó a lamentar que tuviesen que salir de España», relató Mercedes Valverde.
El caso es que desde entonces se exhibieron en Buenos Aires hasta que, a los cincuenta años de la muerte de Arturo Uriarte, su sobrina y heredera retiró el depósito por considerar que no se exhibían de forma adecuada y anunció que subastaría los tres cuadros. «Rivalidad» se subastó en 2004 por el que, hasta que llegó «Fuensanta», fue el precio récord en Julio Romero de Torres: 872.560 euros pagó Prasa por una obra que desde entonces apenas se ha exhibido en algunas exposiciones temporales.
El Gobierno de Argentina no permitió la subasta de «Esclava» y «Amparo» (también conocida como «Niña Gitana»), pero la primera de estas obras sí saldrá a puja ahora.
En «Esclava» quien posa para Romero de torres es Elena Pardo, una de sus modelos favoritas. Vicetiple del madrileño Teatro Romea, fue modelo del pintor cordobés en un número cercano a la veintena de lienzos. Dos de ellas se conservan en el museo de la plaza del Potro. «En la Ribera» y «Mari Luz».
«Fue la musa del art-decó», porque posó en muchas ocasiones con el peinado «a lo garçon» que se había popularizado con la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. En la obra aparece desnuda de cintura para arriba, con las manos atadas a la espalda y con un misterioso fondo oscuro. La firma del pintor aparece bien visible en el lado derecho del cuadro.

'Jesús en el Jordán', una obra que Jorge Oteiza realizó en 1933 : Museo Oteiza de Alzuza (Navarra)

2010-05-27T06:33:00.000-07:00

'Jesús en el Jordán', una obra que Jorge Oteiza realizó en 1933 e inspirada en las figuras características de Alberto Sánchez se expone por primera vez al público en el museo Oteiza de Alzuza (Navarra). La pieza cierra una muestra que a través de 51 obras de pequeño y mediano formato y dibujos repasa la escultura española de 1900 a 1935. Se trata de unas décadas en la que se transformó la creación escultórica y los artistas dejaron atrás los temas anecdóticos y de la pintura, típicos de final del XIX, para expresar ideas, sentidos y expresiones.
Unos años en los que se notó la impronta de Rodin y Gauguin. Después de esa fecha, Oteiza viajó a Hispanoamérica. Junto al creador guipuzcoano, también se muestran obras inéditas de Mateo y Mogrobejo. Se trata de la obra 'Nadadores' (1930), de Pérez Mateo, que fue localizada recientemente, y el relieve 'Sin título (Eva y las uvas)', realizado por Nemesio Mogrobejo en 1908-1909.
La muestra, que permanecerá abierta hasta el próximo 19 de septiembre, está organizada por la Fundación Oteiza en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y cuenta con el patrocinio de Kutxa. Comisariada por Carmen Fernández Aparicio, conservadora jefa de Escultura del Reina Sofía, la exposición se inicia por los autores que trabajaron desde la influencia de Rodin y Gauguin, como Paco Durrio y Nemesio Mogrobejo, y el iniciador del clasicismo escultórico catalán, Josep Clarà, además de Mateo Inurria. El clasicismo que se abrió terreno desde Madrid al final del primer decenio del siglo está representado por Julio Antonio, Daniel González, Enric Casanovas, o Manolo Hugué, quien logró una obra de síntesis de clasicismo y vanguardia.
Por su parte, los nuevos realismos se encarnan en las piezas de Mateo Hernández, Francisco Pérez Mateo o Ángel Ferrant, la original y depurada escultura de Joan Rebull y la figuración moderna de Pablo Gargallo. En la exposición puede verse asimismo la obra de Julio González, cuya escultura en hierro soldado superó definitivamente, junto con la de Picasso, la idea del bloque, adelantando los conceptos constructivos de Joaquín Torres García o la invención del objeto surrealista, en el que trabajaron Salvador Dalí, Oscar Domínguez, Antoni García Lamolla, Eudald Serra, Marinello y Cristòfol.
Por último, la exposición concluye, tal y como define su comisaria, «en la originalidad de la escultura surrealista de Alberto Sánchez y su profundo vínculo con la naturaleza y el paisaje rural, que se convirtió en lo más avanzado y esperanzador de la escultura de vanguardia realizada en Madrid desde el final de los años veinte». Su trabajo fue el punto de partida fundamental para dos jóvenes artistas vascos de la época, Nicolás de Lekuona y Jorge Oteiza .
Entre las obras, prestadas en buena parte por el Reina Sofía, hay también piezas procedentes de colecciones privadas y de museos como Bellas Artes de Bilbao, Artium o el Macba.

CRISTINA AGUINAGA | PAMPLONA.

Henri Rousseau (Laval, Francia, 1844-París, 1910)

2010-05-26T07:50:00.003-07:00

El Guggenheim conmemora con una exposición el centenario de la muerte de Henri Rousseau - Su obra influyó en las vanguardias
Henri Rousseau (Laval, Francia, 1844-París, 1910) era un pintor aficionado, sin formación académica, que cogía los pinceles en el tiempo que le dejaba libre su trabajo como agente de aduanas en París.

El Aduanero, como todavía se le conoce en muchos estudios y biografías, era un diletante que en plena eclosión del impresionismo pintaba escenas costumbristas y paisajes exuberantes que en numerosas ocasiones copiaba de fotografías o postales. Etiquetado como pintor naïf, recibió al final de su vida el reconocimiento de los artistas que formaban en París el germen de las vanguardias, como Kandinsky, Picasso, Léger o Delaunay. El Museo Guggenheim abre hoy al público en Bilbao una exposición con una treintena de pinturas para conmemorar el centenario de su muerte.

Las escenas que pintaba Rousseau muestran figuras planas rodeadas por vegetación que rompe la escala y se aleja hacia el horizonte. La comisaria de la exposición, Susan Davidson, conservadora del Guggenheim de Nueva York, encuentra en la forma de componer los cuadros y en la técnica de Rousseau rasgos precursores de la pintura del siglo XX. "Transfería elementos de unos cuadros a otros siguiendo la técnica del collage", explica. "Colocaba por capas las plantas, los árboles, los animales, construyendo paisajes imaginarios". En la ruptura de la escala -pinta, por ejemplo, flores del tamaño de una montaña- descubre Davidson rasgos que influyeron en los cubistas y los surrealistas.

Los cuadros de selvas son las pinturas de Rousseau que se identifican con mayor facilidad. Nunca viajó a territorios exóticos. Sus junglas estaban inspiradas por las ilustraciones de libros de botánica, fotografías que encontraba en revistas o visitas al zoo y a los parques de París.

Entre ellas destaca en la exposición El león hambriento se abalanza sobre el antílope (1898-1905), un cuadro de más de tres metros de largo que lleva al extremo la mezcla de vegetación y la profundidad del horizonte que el artista buscaba en sus composiciones. Este cuadro cambió la vida artística de Rousseau cuando ya había superado los 60 años. Por vez primera, una de sus obras fue seleccionada por un jurado para participar en el Salón de Otoño de París, y tuvo el reconocimiento de ser expuesta en la sala contigua a la que ocuparon las obras fauvistas de Matisse y Derain.

La sensación que la pintura causó a la crítica queda patente en la veintena de reseñas sobre el cuadro que fueron publicadas por la prensa. Un año más tarde, El león hambriento... se convirtió en la primera obra que Rousseau conseguía vender en su carrera. El marchante Ambroise Vollard la compró por 200 francos. La obra se exhibe desde el año 1997 en un lugar destacado de la Fundación Beyeler, en Basilea (Suiza), coorganizadora de la muestra.
EVA LARRAURI - Bilbao -

Detlef Kappeler, nació en Alemania en 1938 y ahora reside en Muxía

2010-05-26T06:36:00.001-07:00

Se llama Detlef Kappeler, nació en Alemania en 1938 y ahora reside en Muxía. Antes de conocer la intensidad de la Costa da Morta, Kappeler estudió arquitectura en Hanover y se diplomó con un trabajo sobre la arquitectura de una «casa de citas». Concluyó sus estudios de pintura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Hamburgo, para trabajar posteriormente en Nueva York, Bombay, Vietnam, Biafra y París. Intensidad vital e intelectual.

Esta tarde, el artista alemán inaugurará su primer exposición en Galicia. Será a las 20.00 horas, en el Centro Social Caixanova. En el final del camino es el título de esta exposición que se podrá ver hasta el próximo 27 de junio.

Detlef Kappeler ha hecho buenos amigos en esta tierra. Amigos que proclaman las bondades de su obra, como el crítico Antón Castro, o el pintor Antón Sobral. Estarán esta tarde acompañándole en la inauguración de esta exposición. «El pintor ha encontrado una complicidad en la Costa da Morte, en su paisaje, en su mar, en su vida, en sus acontecimientos, en su etnografía y en su antropología, en la manera de percibir el mundo, que es la centralidad de sus últimas experiencias pictóricas», dice Antón Castro de su amigo.

Señalan los expertos que el pincel de Kappeler saca a la luz todo lo que lleva dentro, los lienzos resultan dramáticos, atormentados, enfatizados por el trazo grueso, para que lleguen al sentimiento. En su obra tiene una marcada influencia del arte americano de Pollock y del expresionismo alemán. Castro recuerda que «con un amplio pasado artístico, está claro que su proyecto, cuarenta años después, se ha ido nutriendo en la coherencia de su propia conciencia ética que, desde los años sesenta, ha definido un compromiso estético que lo ha implicado cada momento en el mundo que vivía». En el fin del camino, Detlef K appeler refleja todos esos nutrientes pictóricos y configura una plataforma existencial para vislumbrar la vida a través de los ojos del artista.
Autor:
Jorge Lamas
Localidad:
vigo/la voz.

LOS 10 INVENTOS DEL BICENTENARIO

2010-05-24T03:17:00.000-07:00

DiarioShow.com sigue con los festejos por los 200 años de la patria. Y en esta ocasión un rubro en el que hay para todos los gustos. Utiles, sabrosos, populares, para chicos; también discutidos e insólitos. Elegimos diez, pero si pensás que falta alguno, se escuchan sugerencias.

EL COLECTIVO
Su creación fue en 1928, cuando Hipólito Yrigoyen ganaba las elecciones. Aquel año, los taxis de Buenos Aires sentían la falta de pasajeros. En un cafetín de Carrasco y Rivadavia (algunos dicen Lacarra), se reunían taxistas a quejarse del infortunio. Entre sus cabecillas figuraban José García Gálvez, español naturalizado argentino y ex chofer de Jorge Newbery; Rogelio Fernández, quien años después correría en TC, Pedro Etchegaray; Manuel Pazos: Felipe Quintana; Antonio González y Lorenzo Porte. No se sabe a quién se le ocurrió el "taxi colectivo". El 24 de septiembre de 1928 en la misma esquina comenzaron a ofrecer a los gritos un viaje hasta Caballito por 20 centavos (la quinta parte de lo que hubiera costado en taxi), o a Flores por sólo 10. En esto también hay opiniones encontradas. Afrontó inconvenientes de todo tipo: ofensivas de los tranvías que lo acusaban de competencia desleal, impuestos especiales y hasta expropiaciones. Pero no se puede negar que el invento ganó la batalla y se popularizó.

EL DULCE DE LECHE
Es el más polémico. No por lo rico, eso no lo cuestiona nadie. Pero sí por el origen. Cuenta la leyenda que una criada de Juan Manuel de Rosas calentaba leche en una olla, cuando el General Lavalle llegó al lugar, a entrevistarse con Rosas. Estaba cansado, vio un catre y se tiró a descansar. La empleada de Rosas entró a esa habitación y se asustó tanto que fue a llamar a los guardias para que chequearan que el principal enemigo de Rosas dormía en su cama… Mientras tanto, en el brasero, la leche hervía y hervía… el episodio duró bastante tiempo, tanto como para que la leche quedara reducida a una especie de pasta. Por tapar ese sabor y su descuido la criada le agregó azúcar y eso formó algo similar a lo que hoy conocemos como dulce de leche. Son varios los países de Sudamérica que se adjudican este invento, pero ¿quién puede discutirnos esta anécdota?

LA GRAN WILLY
Esta es para un icono del deporte argentino: Guillermo Vilas. El marplatense declaró que para crear ese golpe que lo identifica en todo el mundo, se inspiró en el polista argentino Juan Carlos Harriott. Este, en un aviso publicitario de whisky Old Smuggler ejecutaba un backhander (golpe de taco hacia atrás), por entre las patas de su caballo. La primera vez que Vilas lo ejecutó en 1974, en el Club Obras Sanitarias de Buenos Aires, en un partido de exhibición contra el francés Wanaro N'Godrella. De manera oficial el golpe lo hizo en 1975, en Indianápolis, sobre polvo de ladrillo, ante el español Manuel Orantes.

EL MAGICLIK
Es un producto inventado por Hugo Kogan en 1963, que era director del departamento de diseño de la empresa Aurora. Su nombre se debió a que encendía la llama con sólo pulsar un botón, que accionaba un dispositivo electrónico provocando una chispa que encendía el gas. En la publicidad, una de las más recordadas de la época, el protagonista se jactaba de su calidad y duración, prometiendo garantía por 104 años.

LA MILANESA NAPOLITANA
Su nombre indicaría una conjunción entre Milán y Nápoles, entre el norte y el sur de la península de la bota. Su denominación se debe a que se creó en la pizzería Napoli, de José Napoli, que quedaba cerca del Luna Park. Se vendió por primera vez en Buenos Aires a fines de la década de los 30 del siglo XX. Originalmente se la llamó milanesa a la Napoli.

HUELLAS DIGITALES
Fue inventado en 1891 por el policía argentino Juan Vucetich. Impulsado por la enorme cantidad de crímenes creó el método de clasificación y la tecnología de identificación de personas por sus huellas digitales: Sistema Dactiloscópico. Y además, el primer caso resuelto con ayuda de este método también se dio en Argentina.

DIBUJOS ANIMADOS
El primer largometraje animado de la Historia fue obra de Quirino Cristiani, y también la primera película animada con sonido. Fue “El Apóstol”, constaba de 58.000 cuadros dibujados a mano por el propio Cristiani. Esto sucedió 20 años antes de que Walt Disney filmara “Blancanieves y los siete enanitos”, en 1917. Disney, que era un auténtico visionario, quiso contratar a Cristiani, pero no aceptó. Desgraciadamente, todo el trabajo del este creador se perdió porque su estudio se incendió dos veces en cuatro años.

BY PASS CORONARIO
Fue creada por el Dr. René Gerónimo Favaloro en 1967. Este médico que se recibió en la Universidad de La Plata revolucionó la cirugía y hasta hoy es la más practicada en todo el mundo. A fines de la década de 1960 empezó a estudiar una técnica para utilizar la vena safena en la cirugía coronaria. A principios de la década de 1970 fundó la fundación que lleva su nombre. Durante la crisis del 2000, su fundación tenía una deuda y solicitó ayuda al gobierno sin recibir respuesta. El 29 de julio, previo escribir una carta al Presidente De la Rúa criticando al sistema de salud, se quitó la vida de un disparo. Sí, en el corazón.

TRANSMISIONES RADIOFONICAS
Las primeras transmisiones regulares radiodifundidas, para entretenimiento, comenzaron en 1920. En Argentina, el día 27 de agosto desde la azotea del Teatro Coliseo, la Sociedad Radio Argentina liderada por Enrique Telémaco Susini transmitió la ópera Parsifal de Richard Wagner, comenzando así con la programación. Algunos de los programas más destacados han sido el El Fogón de los Arrieros, Glostora Tango Club, Mordisquito, Los Pérez García, La Revista Dislocada, La oral deportiva, Rapidísimo.

BOLIGRAFO
Los hermanos húngaros Laszlo y George Biro lo inventaron en 1938. Laszlo era periodista de profesión y estaba molesto con los problemas de las lapiceras, que fallaban cuando se le trababa en medio de un reportaje. La idea de su invento la tomó de unos niños que jugaban con bolitas, una de ellas atravesó un charco y al salir trazó una línea de agua sobre la calle. Biro patentó en Hungría bajo licencia británica un prototipo. Pero nunca se llegó a comercializar.
En 1940 Laszlo, junto a su hermano y a su socio y amigo Meyne, emigraron a la Argentina. Habían conocido a Agustín Pedro Justo, presidente de la Nación, quien lo había invitado a radicarse cuando lo conoció en momentos en que Biro hacía notas para un periódico húngaro con un prototipo del bolígrafo y se maravillo con el objeto. El 10 de junio formaron la compañía Biro-Meyne-Biro, en un garaje con 40 operarios y con un bajo presupuesto perfeccionaron su invento y lo lanzaron al mercado bajo el nombre comercial de Birome (Acrónimo formado por la unión de Biro y Meyne).

Los fusilamientos del 3 de mayo de1808 Goya Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío

2010-05-20T13:29:00.000-07:00

El tres de mayo de 1808 en Madrid (también conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío[2] [3] o Los fusilamientos del tres de mayo[1] ) es un cuadro del pintor aragonés Francisco de Goya completado en 1814 que se conserva en el Museo del Prado (Madrid, España). La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del Levantamiento del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española.
Su pareja es El dos de mayo de 1808 en Madrid —también llamada La carga de los mamelucos—. Ambos cuadros son de la misma época y corriente artística. Su técnica y cromatismos propios del Goya maduro. Goya sugirió el encargo de estos cuadros de gran formato a la regencia liberal de Luis María de Borbón y Vallabriga, antes de la llegada del rey Fernando VII. Incluso se dice que adornaron un arco del triunfo dedicado al rey en la Puerta de Alcalá.[4] La intención de Goya para hacer estos cuadros queda plasmada en una carta autógrafa del aragonés, donde escribe:
Siento ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa.

La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo del horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados Los desastres de la guerra.

El tres de mayo de 1808 ha inspirado numerosos cuadros, como El fusilamiento de Maximiliano, de Édouard Manet, así como otras obras de éste relativas a la acción bélica. Guernica y Masacre en Corea son las dos obras de Pablo Picasso en que se aprecia la influencia de Los fusilamientos.

En la década de 1850 el pintor José de Madrazo —entonces director del Prado— puso en duda que Goya hubiese pintado este lienzo. Afirmó que «el cuadro es de calidad muy inferior a otros retratos del maestro Goya».[7] Décadas después, durante el apogeo del impresionismo y del romanticismo, adquirió fama mundial al ser considerada antecedente directo de tales estilos. La obra fue trasladada a Valencia en 1937 junto con todo el fondo del Museo para evitar posibles daños durante la Guerra Civil, pero durante el trayecto la obra sufrió un accidente. Los desperfectos se fueron reparando gracias a las restauraciones emprendidas en 1938, 1939, 1941 y 2008. En esta última se ha procedido a la limpieza completa del cuadro, a base de rebajar los barnices amarillentos que cubrían gran parte de la obra.[8

La tentación de San Antonio de Dalí Se conserva en Bruselas en el Musée Royaux des Beaux-Arts.

2010-05-20T13:22:00.000-07:00

En el cuadro se muestra a san Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación.

Exposición sobre Dalí en Londres. En primer término hay una escultura de un elefante de patas alargadas con una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.

San Antonio es representado como un mendigo, está desnudo y despeinado y se apoya sobre una piedra. Delante de él hay una calavera.

El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre normalmente cae:

* Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de polvo. Este animal recuerda a los jumentos esqueléticos de los primeros cuadros surrealistas del autor.
* Sexo, representado por la mujer sobre el primer elefante.
* Oro y riquezas, representados por los dos elefantes sobre los que hay una pirámide y una casa de oro y dentro de esta última, un busto de mujer lo aguarda.

Más atrás, otro elefante carga un altísimo monolito sobre su espalda. Detrás de este y sobre las nubes, hay un castillo.

En el paisaje desértico, dos hombres discuten y al fondo, un hombre lleva de la mano a su hijo. Este último par de personajes también es representado en Vestigios atávicos después de la lluvia. Un ángel blanco vuela sobre el desierto.

La tentación de San Antonio de Dalí
Se conserva en Bruselas en el Musée Royaux des Beaux-Arts.

Los Girasoles Van Gogh con pinceladas fuertes y expresivas

2010-05-20T13:18:00.000-07:00

Los Girasoles
En realidad son una serie de cuadros muy parecidos pintados por Van Gogh que destacan por la minuciosidad de sus trazos, ya que Van Gogh acostumbraba pintar con pinceladas fuertes y expresivas. Los cuadros muestran girasoles en todas las etapas de su vida, lo que le permitió utilizar toda la gama de amarillos.
Van Gogh es una de las personas a las que más admiro, aunque en vida nunca fue reconocido, él nunca dejó de hacer lo que le gustaba, y aunque su manera de pintar no estaba de moda en su época nunca se dejó influenciar. Desarrolló un estilo único que, bastante tarde por cierto, le dió fama y reconocimiento mundial.

La Creación de Adán es un fresco de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina

2010-05-20T13:15:00.000-07:00

La Creación de Adán
La Creación de Adán es un fresco de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina. Es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas del mundo y representa la escena del Génesis en el que Dios le da vida a Adán. Se dice que la mujer que rodea el brazo de Dios es Eva, quien espera a que se le de vida en la Tierra.
Algunos aseguran que las figuras representadas detras de Dios forman un perfecto cerebro humano. Esta obra volvió a circular en Internet gracias a la invención del Flying Spaghetti Monster.

El Guernica Pablo Picasso Reina Sofia de Madrid.

2010-05-20T13:13:00.000-07:00

El Guernica
Uno de los cuadros más conocidos de Pablo Picasso, lo hizo como encargo del gobierno español por motivo del bombardeo en Guernica. Los tonos grises se explican porque la primera noticia que tuvo Picasso del bombardeo fue a traves del periódico.
Se dice que en 1940 un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso. El pintor respondió: “No, han sido ustedes”. Está en el Reina Sofia de Madrid.